Frases de la película Call Me By Your Name (Luca Guadagnino)

Frases y Diálogos de la película "Call Me By Your Name". Director: Luca Guadagnino, Guion: James Ivory, Luca Guadagnino (Novela: André Aciman), Música: Sufjan Stevens, Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Finalmente he visto una de las películas que más esperaba por ver en el año, del director italiano Luca Guadagnino (I Am Love, A Bigger Splash). Con un estilo muy clásico, desde el inicio propone su lenguaje y su estilo, una total apelación al naturalismo, al minimalismo y un lenguaje poético que trascenderá del paisaje hasta sus personajes. La película no para de crecer en el transcurso de su metraje, especialmente gracias a sus personajes, que van transformando su química y la atmósfera del filme en un espacio de intimidad, sensibilidad, descubrimiento y poesía. Ambientada en los años 80, con un guión de James Ivory, quien adapta la excelente novela de André Aciman, cuenta la historia de Elio (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, que pasa con sus padres los veranos en una casa de campo en Italia. Sus padres acogen cada verano a un universitario para que sirva de ayudante al padre de Elio. En el verano del 83 llega Oliver (Armie Hammer), un joven de 24 años, que aunque al inicio tiene una fría acogida, poco a poco va acercándose al joven Elio. Aunque su estilo y su factura son muy clásicas, su contenido, lo que cuenta y la forma en que lo cuenta es su gran logro y virtud. Es una historia de amor, de descubrimiento y despertar sexual, de aceptación, de ser libre, de liberar el peso de los prejuicios y sobre los encantos y desencantos del primer amor. Chalamet es el perfecto Elio, su actuación es estupenda, he visto pocas veces a un actor apropiarse tanto de un personaje literario en una adaptación, con tanta naturalidad. Chalamet captura la chispa, la inocencia, y el universo interno que tan bien está descrito en la novela original, junto a la de Armie Hammer y Michael Stuhlbarg, como el padre de Elio. Leí la novela de Aciman y creo que el director ha logrado una excelente adaptación y ha logrado capturar el espíritu, el ambiente y el universo de esa bella novela, ha cortado detalles que quizás sobraban en la novela, aunque recomiendo muchísimo leer también la novela que es estupenda, y como es narrada desde el punto de vista de Elio, conocemos todo lo que piensa. Además de las actuaciones, la fotografía, la banda sonora de Sufjan Stevens es muy buena, y la dirección de Luca Guadagnino es precisa, delicada y sutil como todo el filme. El guión conjunto de Ivory y Guadagnino, además de atrapar el espíritu de la novela y sus personajes, hace una excelente edición, y acoge casi todos los momentos más valiosos de la novela, juega con los tiempos y situaciones de forma eficaz. Pero la relación y química en pantalla entre sus dos protagonistas se lleva todo los elogios y méritos, la sincronía de sus gestos, las miradas, las pausas en los diálogos, los silencios, en todo hacer un trabajo superlativo, especialmente Chalament que sostiene gran parte de carga emocional de la película, en un complejo y rico personaje. Sin dudas, de las películas del año, bella, real, emotiva, erótica y humana.


Oliver: ¿Qué se suele hacer por aquí?
Elio: Nada. Esperar a que acabase el verano.
Oliver: Y entonces, ¿qué se hace en invierno? ¿Esperar a que llegue el verano? (…) ¿Y qué haces tú?
Elio: Leer libros, trascribir música, nadar en el río.
Oliver: Suena genial. Bueno amigo gracias por la ayuda… ¡Luego!

Frases de la película: Detroit (Kathryn Bigelow)

Frases y Diálogos de la película "Detroit". Director: Kathryn Bigelow, Guion: Mark Boal, Música: James Newton Howard, Fotografía: Barry Ackroyd. La excelente directora ganadora del Oscar, Kathryn Bigelow, en su haber con dos películas tan potentes como The Hurt Locker y Zero Dark Thirty, vuelve con su amigo y guionista de cabecera Mark Boal, para contar una historia ambientada en los disturbios raciales que sacudieron a la cuidad de Detroit en 1967. La película tiene una hora y media excelente, donde la directora muestra lo mejor que sabe hacer, crear tensión al máximo. En una ambientación de la redada policial a un bar/hotel que simplemente maneja un nervio altísimo, y está magistralmente rodado, con una brillante edición. Lamentablemente la película dura dos horas y media, luego viene como una segunda parte, con un drama judicial de por medio, y en donde la intimidad y tratamiento de los personajes víctimas y policías, es tan poco objetiva que hace que la peli pierda mucho. Es una pena. Creo que pudo ser muy redonda. Si con esa primera parte sólo hubiese sugerido un poco sobre los posibles resultados, o con un cierre más frío y sugerente, quizás como lo hizo en Zero Dark Thirty. Aún así me gustó en su mayor parte. Y esa primera parte le da mil vueltas a casi todas las que han tratado el tema del racismo, en la escenificación de una revuelta, porque hace que el espectador logre una gran inmersión en la escena. 



La Gran Migración Negra puesta en marcha antes de la Primera Guerra Mundial impulsó a alrededor de seis millones de afroamericanos a dejar los campos de algodón del sur... seducidos por los empleos fabriles y los derechos civiles que ofrecía el norte. Tras la Segunda Guerra, los blancos iniciaron su propia migración a las afueras y dejaron sin dinero y empleos a los barrios urbanos cada vez más segregados. Para los sesenta, la tensión racial había alcanzado un punto de ebullición. Se produjeron revueltas en Harlem, Filadelfia, Watts y Newark. En Detroit, los afroamericanos estaban confinados a unos pocos barrios sobrepoblados, bajo el control de una policía mayormente blanca de notoria agresividad. La prometida igualdad de oportunidades para todos resultó ser una ilusión. El cambio era inevitable. Solo se trataba de cómo y cuándo.

Frases de la película: Borg McEnroe (Janus Metz)

Frases y Diálogos de la película "Borg McEnroe". Director: Janus Metz, Guion: Ronnie Sandahl, Música: Vladislav Delay, Jonas Struck, Fotografía: Niels Thastum. Interesante película que cuenta parte de la rivalidad entre dos de los mejores tenistas de la historia, el sueco Björn Borg (Sverrir Gudnason) y el norteamericano John McEnroe (Shia LaBeouf). A propósito, de que este año se haya jugado un campeonato de la ATP (La Laver Cup) de Europa Vs El Mundo, donde Borg y McEnroe son los líderes de cada equipo, con varios de los actuales mejores tenistas del mundo en sus respectivos equipos. Además de la rivalidad, y parte de sus vidas en forma de flashback, que nos recuerda los mitos de sus personalidades, el hombre de hielo contra el hombre de fuego/ cero emociones contra muchas emociones, en fin ya es leyenda. La película recrea principalmente el emblemático partido que tuvieron en Wimbledon en 1980, donde Borg buscaba su 5to título consecutivo, y el aún más joven McEnroe buscaba destronarlo. El partido es considerado el mejor de la historia del tenis, incluyendo a los de los últimos años recientes. La película me gustó, porque ahonda dentro de la psicología de los personajes, y pone de manifiesto una realidad en el tenis, un deporte muy físico, pero muy mental. Nos muestra la fragilidad de los tenistas, las presiones de los más grandes y de todos, y logra transmitir la angustia que siente el espectador en estos partidos. Yo, que he sufrido un montón de veces viendo estos partidos puedo dar fe. Y también muestra lo bello del tenis, cuando el público sufre, y cuando se siente que dentro de la cancha está ocurriendo algo especial, los dos jugadores lo saben, porque se olvidan de sus poses y simplemente empiezan a jugar con el corazón y entregarse a cada pelotazo. Ahí llega la genialidad, y el público sólo puede deleitarse cuando eso ocurre y disfrutar presenciar la historia. Lo hemos podido ver en los últimos años con Nadal/Federer/Djokovic, otra etapa dorada, y somos muy afortunados de vivirla. No pude ver en vivo el partido de Borg/McEnroe porque no había nacido, pero lo he visto por tv en repeticiones, y sin duda fue especial. Quizás el único reproche a la película, es la limitación en mostrar jugadas del partido real, entiendo que es difícil para los actores, pero quizás se pudiese haber utilizado imágenes de archivo. Pero en general es una buena adaptación para amantes y no amantes del tenis. Los actores están muy bien. Y está bien cuando se rememora un momento especial y significativo, y no se intenta abarcar de forma pretenciosa vidas completas. Me agradó y me emocioné incluso al final.


"El tenis utiliza el lenguaje de la vida: ventaja, servicio, falla, ruptura, amor... cada juego es una vida en miniatura." 
Andre Agassi.

Frases de la película Coco (Lee Unkrich, Adrián Molina)

Frases y Diálogos de la película "Coco". Director: Lee Unkrich,  Adrián Molina, Guion: Adrián Molina, Matthew Aldrich (Historia original: Lee Unkrich, Jason Katz, Matthew Aldrich, Adrián Molina), Música: Michael Giacchino, Fotografía: Animation, Matt Aspbury, Danielle Feinberg. “Coco" la última creación de Pixar, de la mano de uno de sus grandes talentos, Lee Unkrich. Es una película bellísima. Muy emotiva y llena de emociones. La animación es excelente, y la caracterización del paisaje y el entorno mexicano es muy veraz. Sobre la persecución de los sueños, sobre ir detrás de aquello que nos gusta y nos apasiona, sobre la importancia de la familia, las tradiciones, el legado, el recuerdo, el olvido y el perdón. Al principio me temía que fuese muy parecida a El Libro de la Vida de Guillermo del Toro, una película a la que tengo mucho afecto, y claramente si hay una inspiración en la película, aunque se haya modificado la historia. Aún así se diferencia, si en el "Libro de la Vida" se trataba el tema del día de los muertos en su forma más mitológica y fantástica, en "Coco" es mucho más humana, y más fiel a la tradición mexicana. Es una película muy bien construida, con distintos giros y sorpresas, te despista por momentos, cuando piensas que va a decantarse por lo convencional, te da una sorpresa. Muy recomendada. 


Abuelita: El día de muertos ha comenzado. Hoy solo importa la familia.

Frases de la película: Loveless (Nelyubov) de Andrey Zvyagintsev

Frases y Diálogos de la película "Loveless" (Nelyubov). Director: Andrey Zvyagintsev, Guion: Andrey Zvyagintsev, Oleg Negin, Música: Evgueni Galperine, Fotografía: Mikhail Krichman. Loveless (Nelyubov) o simplemente "Sin amor" en su versión en español, la más reciente película del gran director ruso Andrey Zvyagintsev (El regreso, Leviatán), ganadora del Premio del Jurado del Festival de Cannes 2017, y de distintos festivales, además de la representante de Rusia a los Premios Oscar. Hago toda la introducción porque visiblemente me ha e-n-c-a-n-t-a-d-o la película. ¡Ese es un director! ¡Eso es cine! Personalmente Zvyagintsev nunca me ha decepcionado, y acá vuelve a marcarse otra gran obra, lo más cerca de una obra maestra que he visto desde hace tiempo, y de los títulos que estarán en la cabeza de lo mejor del año. En "Loveless", el director ruso se mantiene fiel a su cine y a su inconfundible estilo, diseccionando desde las entrañas a Rusia, en todas sus instituciones, desde el Estado hasta la Familia. Su cine siempre gira entorno a ese análisis, que debido a su maestría siempre alcanza un cariz universal. Acá toma de telón de fondo un tema muy usado en el cine, la desaparición de un niño, a las puertas del divorcio de sus padres. Pero el director toma todos los caminos contrarios a lo convencional, y en esta ocasión apunta el lente principal a la sociedad, una pareja que se odia y reniega de su hijo, representantes de la clase media rusa contemporánea, y del ser humano contemporáneo, seres sin amor, que van por el mundo repitiendo acciones, sin aprendizaje, sin lecciones, deshumanizados y egoístas. Una sociedad enferma que difunde el virus. Igual el Estado no queda impune, el director hace mención y pequeñas sugerencias por la televisión, o las charlas continúas sobre el posible fin del mundo a finales del 2012. Una película que aborda muchos temas, y todos con una estética impecable, y una dirección magistral. Cada plano es importante, cada encuadre es un mensaje a lo que no se dice, es un prodigio de la narración visual, sin apenas música, pero aún así con un ritmo increíble, y un manejo de la tensión y de los tiempos, que simplemente deslumbra. Las actuaciones son igual de brillantes, con una mención especial a los padres, y específicamente a Maryana Spivak, que interpreta a la madre, Zhenya, en un papel difícil y complejo. Como me alegra cuando tengo que escribir sobre estas películas. Un gran logro, y espero que The Square sea tan buena para justificar la pérdida de la Palma de Oro. En mi blog, Leviatán se llevó el 1er lugar a la mejor película del 2014, y quizás repita en 2017. Ya veremos. 


Alyosha: Ya no tengo hambre.
Zhenya: Comételo. ¿Por qué debería tirarlo?
Alyosha: Ya no tengo hambre!
Zhenya: Bebe tu cacao. ¿Por qué eres tan débil? ¿Has caído enfermo?
Alyosha: No soy débil.
Zhenya: Está bien, déjalo. Lo guardaré... ¿Y dónde está un "Gracias"?
Alyosha: Gracias.

Frases de la película Justice League (Liga de la Justicia) de Zack Snyder

Frases y Diálogos de la película "Justice League" (Liga de la Justicia). Dirección: Zack Snyder, Guion: Chris Terrio, Joss Whedon (Historia: Zack Snyder, Chris Terrio), Música: Danny Elfman, Fotografía: Fabian Wagner. Se estrenó la esperada película que da inicio a la Liga de la Justicia, la reunión de los superhéroes más famosos, emblemáticos e icónicos del mundo de los cómics. Creo que la película mejora ante su antecesora "Batman Vs Superman", acá se nota una mayor integración, coherencia, y no pierde mucho tiempo, va rápidamente al grano, a la acción. La presentación de los otros personajes es efectiva, junto con sus motivaciones. Mantiene un tono serio, aunque menos oscuro de lo habitual del mundo DC, y esto en parte a la incorporación de Joss Whedon, director de la película de los Vengadores, que trajo aquello que ha identificado a los Avengers, como es la autoparodia y el humor. A pesar de los pequeños defectos que pueda tener, es una película que muchos admiradores de estos superhéroes agradecerán, que cumple lo que se espera de ella y presenta el inicio de una serie de próximas películas. 


Bruce Wayne: El mundo necesita a Superman... el equipo necesita a Clark. Él es más humano que yo. Él vivió en este mundo, se enamoró, tenía un trabajo. A pesar de todo ese poder.

Frases de la película: Good Time (Ben Safdie, Joshua Safdie)

Frases y Diálogos de la película "Good Time". Director: Ben Safdie,  Joshua Safdie, Guion: Ronald Bronstein, Joshua Safdie, Música: Oneohtrix Point Never, Fotografía: Sean Price Williams. La película más reciente de los hermanos Safdie, referentes del cine independiente en USA, y que fue una de las sensaciones del pasado Festival de Cannes. La película cuenta distintos sucesos que ocurren en un sólo día, cuando dos hermanos atracan un banco, uno de ellos Connie (Robert Pattinson) es muy hábil, y Nick (Ben Safdie) tiene un leve retraso mental. En el robo todo sale mal, y Nick termina en la cárcel, por lo que Connie se embarca en una travesía para sacarlo. La película me ha gustado, tiene intensidad, ritmo, y es curiosa en su narrativa cinematográfica. Su estética recuerda un poco al cine de Nicolas Winding Refn, por el juego de oscuros con luces de colores, primeros planos, aunque mucho mejor que los últimos experimentos del danés. Es justa de tiempo, bien dirigida y editada, y su música es efectiva en transmitir desesperación y angustia, pero creo que a veces se les fue la mano poniéndola en exceso, ya que puede generar molestia, a mi me dio un poco de dolor de cabeza, o no sé si es porque ya lo tenía. Pero la película en general cumple y es efectiva, una crónica sobre el crimen, sobre la pobreza, y al tiempo sobre la hermandad y el amor. Los actores brillan y hacen muy buen trabajo, en especial Pattinson.


Nick: La abuela dijo que...
Connie: No quiero saber más de la abuela, ¿está bien? Que se vaya al carajo, Nicky. Somos tú y yo. Yo soy tu amigo, ¿de acuerdo? Te quiero.

Frases de la película The Glass Castle (El Castillo de Cristal) de Destin Cretton

Frases y Diálogos de la película "The Glass Castle" (El Castillo de Cristal). Director: Destin Cretton, Guion: Marti Noxon, Andrew Lanham (Libro: Jeannette Walls), Música: Joel P. West, Fotografía: Brett Pawlak. Tenía cierta expectativa por la película, porque se volvían a encontrar el director (Crettob) y la actriz (Brie Larson), que años atrás nos regalaron esa excelente película independiente, "Short Term 12" o "Las vidas de Grace". En esta nueva colaboración han decidido adaptar la novela biográfica de Jeannette Walls, una joven que crece en una familia de libertinos e idealistas padres, que a la vez tienen un ambiente destructivo y tóxico. La película inicia con una ambientación que recuerda a Little Miss Sunshine o Captain Fantastic, por su característica de road movie familiar, y de idealismo, pero la película también recorre el lado dramático de la situación en que se encontraban, logrando un retrato muy duro de las relaciones familiares. La película se mueve entre su estampa de cine indie, pero también tiene una esencia de cine muy tradicional y académico, típico de los biopics. Pero creo que en ese contraste la película se mantiene, y logra emocionar al espectador, que logra identificarse con los personajes y situaciones, porque al fin y al cabo es un estudio al núcleo familiar, a las relaciones de poder, a las heridas del pasado, al espíritu de lucha, al derrumbamiento de los ideales de la infancia, de la imagen paterna, en fin, varios temas tratados con efectividad, y sacado adelante por su acertado elenco, donde brilla Larson, Harrelson y Watts. Es bella, divertida, pero dura y muy emotiva. Una de las que seguro sacará más lágrimas en el año.



"PARA LAS FAMILIAS QUE, A PESAR DE SUS CICATRICES, ENCUENTRAN EL MODO DE AMAR..."

Frases de la película: Thor: Ragnarok (Taika Waititi)

Frases y Diálogos de la película "Thor: Ragnarok". Director: Taika Waititi, Guion: Eric Pearson (Historia: Craig Kyle, Christopher Yost), Música: Mark Mothersbaugh, Fotografía: Javier Aguirresarobe. Desde hace varios años ya, las películas de Marvel siguen una misma fórmula exitosa, que he descrito en anteriores posts, y que siguen replicando. Por lo que más que películas, con los superhéroes de Marvel tenemos una serie fragmentada en distintos años. De todas las historias individuales, las de Thor siempre resultan más flojas por el mismo carácter del protagonista, su mundo es más mágico, lejos del material que se puede encontrar en el planeta tierra, y con lo que es más fácil hilar una historia y compararla con hechos reales actuales. Por la misma razón que el humano Batman tiene mucha más posibilidades que el inmortal Superman, lo humano, lo frágil y lo malévolo nos hace más interesantes. Sin embargo, en esta entrega de Thor han apostado mucho más a ese ingrediente de éxito que ahora tienen todas las películas de superhéroes, la comedia. Incluso llega a abusar un poco de las bromas y la propia autoparodia. Muchas funcionan, pero hay unas que están de más, y en general la película es una más. Entretiene, divierte descaradamente, y cumple su papel dentro de la serie. Pero también he sentido algo, y es que siento que esta fórmula se está desgastando poco a poco, al menos para mí.


Thor: Somos lo mismo, tú y yo. Somos solo un par de tontos.
Hulk: Sí, lo mismo. Hulk como el fuego, Thor como el agua.
Thor: Los dos somos como el fuego.
Hulk: Hulk como fuego furioso. Thor como un fuego ardiente.

Frases de la película: The Big Sick (Michael Showalter)

Frases y Diálogos de la película "The Big Sick" (La gran enfermedad del amor). Director: Michael Showalter, Guion: Emily V. Gordon, Kumail Nanjiani, Música: Michael Andrews, Fotografía: Brian Burgoyne. “The Big Sick” O “La gran enfermedad del amor”, como se ha llamado en español, es la película más reciente del director Michael Showalter y el reconocido productor Judd Apatow, y que además cuenta con un guión escrito por Emily V. Gordon y Kumail Nanjiani, quien también protagoniza la película en el papel del joven hindú, Kumail. Es una de las comedias más bellas, auténticas y divertidas del año. Aunque en su sinopsis y su planteamiento, y los temas tratados, como enfermedad, basado en hechos reales, problemas raciales y culturales, nos pueden generar muchos prejuicios, por la facilidad de caer en el cliché, la película gracias a un muy buen guión logra dar la vuelta a distintas situaciones, y componer una historia, que aunque quizás es muy larga, es bella, triste y muy divertida, con muy buenos diálogos y excelentes actores, encabezados por la joven pareja protagonista, pero Holly Hunter y Ray Romano se roban las escenas cuando aparecen, como los padres de Emily. Sobre el amor, sobre la búsqueda de la identidad, sobre las brechas culturales, y sobreponerse a nuestros propios deseos y convicciones. Una película muy bella y muy divertida. ¡No se la pierdan!


Kumail: Me llamo Kumail.
Emily: Sí, lo sabemos. Sí, vimos tu rutina.
Kumail: Ya que nos presentamos, debo decirte que cuando me gritaste, me desconcertaste. No deberías molestar a un comediante. Es grosero.
Emily: No te molesté. Te alenté. Fue una forma de apoyarte.
Kumail: Es un error común. Gritarle cualquier cosa a un comediante es molestarlo.
Emily: No tiene que ser negativo. Si gritara: "¡Eres increíble en la cama!", ¿te molestaría?
Kumail: Sí. Sería una molestia.

Frases de la película: The Beguiled (Sofia Coppola)

Frases y Diálogos de la película "The Beguiled" (La Seducción). Directora: Sofia Coppola, Guion: Sofia Coppola (Novela: Thomas Cullinan), Música: Phoenix, Fotografía: Philippe Le Sourd. Película más reciente de la directora Sofia Coppola, quien a la vez dirigió y adaptó el guión de la novela de Thomas Cullinan. Novela que ya había sido adaptada con éxito al cine en el año de 1971 por el director Don Siegel, y con un reparto de lujo encabezado por Clint Eastwood y  Geraldine Page. Sofía Coppola también armó un elenco de lujo, con Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst y Elle Fanning. La historia es ambientada en el año de 1864 en Virginia durante la guerra civil norteamericana, donde un día a una escuela de señoritas del Sur llega un soldado yanqui malherido, a quien acogen mientras se recupera. En ese tiempo, el cabo McBurney simpatizará con la mayoría de las mujeres de la escuela, despertando pasiones ocultas y reprimidas por la guerra. Me es imposible hablar de la nueva adaptación o reinterpretación de Sofia Coppola sobre la novela, sin remitirme al clásico de Don Siegel, que en mi opinión es estupendo. En varias conferencias de prensa, Sofia Coppola en Cannes dijo que intentó hacer una versión vista desde una perspectiva femenina, y no puedo estar más desconcertado luego de terminar la película. Si bien, la película está completamente adaptada a su estilo, un gran diseño de producción, excelente fotografía, una atmósfera que recordaba a sus Vírgenes suicidas, y en general el aspecto visual es alucinante, en la parte del argumento, la edición, no entendí por qué omitió muchas cosas, características y escenas importantes de sus personajes femeninos, que para mí hubiesen reforzado esa visión femenina que intentó reflejar. La novela y la película de los 70 de Siegel es sórdida, atrevida y erótica, y explora con mayor profundidad esa vendaval de emociones a las que se enfrentar este grupo de mujeres, con sexualidad reprimida por la época y por los tiempos de guerra. En cambio, Sofia, omite muchas cosas, y ni siquiera las sugiere, sino que sus personajes se pasean sin despeinarse en una estética preciosista, logrando que se opaque ese universo interno que no alcanza a reflejar. En realidad la película no me pareció mala, y si intentó olvidar la versión del 71, creo que puede quedar una producción igualmente aceptable pero sin alma. Pero si recuerdo la versión del 71, no puedo más que sentirme decepcionado, por lo desaprovechado de todos los elementos a favor que tenía, la posibilidad de hacer una versión que emulara a su predecesora, por los elementos se producción, visuales y estéticos que tan bien maneja Coppola, y el estupendo elenco que tenía. Las actrices y el actor hacen lo que pueden con el material que tenían, pero no logran alcanzar la profundidad que pudieron haber alcanzado. Creo que por su profundidad y nivel de perversidad y sordidez, quizás no era el proyecto para Coppola, quien siguió una línea muy plana y escaza de matices, por lo que recomiendo enormemente ver la versión de Don Siegel, si quieren ver la profundidad y la exploración que se propone en la novela, porque en esta versión lamentablemente nos quedamos en la superficie, con una versión más conservadora. Todos los actores cumplen con su papel, con las limitaciones de cada uno, pero es una lástima no haberlos vistos llegando a las grandes posibilidades que cada uno tenía.


Miss Martha: Chicas, reunámonos para las oraciones de la noche. Querido Señor, te pedimos que protejas nuestra escuela y que protejas a los valientes miembros de nuestro ejército...
Amy: Y que cuides a nuestro amigo, el cabo McBurney, durante su viaje de vuelta.
Miss Martha: Sí. Sí, señorita Amy. La estancia del cabo McBurney nos ha enseñado una lección muy importante: que el enemigo, como individuo, no es lo que creíamos. Inclinemos la cabeza en meditación silenciosa.

Frases de la película: Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve)

Frases y Diálogos de la película "Blade Runner 2049". Director: Denis Villeneuve, Guión: Hampton Fancher, Michael Green (Historia: Hampton Fancher. Personajes: Philip K. Dick), Música: Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch, Fotografía: Roger Deakins. La esperada continuación del clásico de ciencia ficción: Blade Runner, llega de la mano de su director original, Ridley Scott, que es el productor ejecutivo, y delega la dirección a uno de los mejores y más virtuosos directores contemporáneos, Denis Villeneuve (Arrival, Sicario, Prisioneros, Enemy), especialista en crear atmósferas únicas. La película se ubica treinta años después de los eventos del primer filme, con un nuevo Blade Runner, llamado K (Ryan Gosling), que se encuentra con un secreto que puede hacer tambalear los cimientos de la sociedad, y que tiene que ver con los replicantes. K se sumerge en la búsqueda del ex Blade Runner, Rick Deckard (Harrison Ford), el protagonista de la primera parte, para aclarar algunos puntos sobre su descubrimiento. La película me ha agradado, creo que cuando después de 30 años hacen la continuación de una película como Blade Runner, lo único que esperas es que no decepcione. Y Blade Runner 2049, no decepciona, al contrario, me parece que mantiene el nivel de la original, con mucho respeto, con coherencia en la historia, y explota todos los recursos disponibles actualmente para crear un mundo y un espacio increíble. Visualmente, técnicamente, estéticamente, la película es soberbia y alucinante, tiene una estupenda fotografía del gran Roger Deakins, un diseño de producción y arte realmente increíbles, y la banda sonora de Hans Zimmer refuerza cada momento. La película mantiene la naturaleza y la esencia de la historia, como es la línea que separa a los humanos de los replicantes, al hombre de la máquina y la inteligencia artificial. También mantiene la gran incógnita sobre su protagonista original, y su naturaleza de humano o replicante, que ayuda a la reflexión que plantea la historia; y a la vez, nos cuenta parte de lo que ha pasado en esos 30 años, y nos deja distintas posibilidades para las secuelas. Además del espíritu premonitorio y apocalíptico que siempre ha tenido la historia, con una proyección crítica del futuro, tanto en el aspecto ambiental como en la condición del ser humano, y la desigualdad entre los de distinta clase, que en esta oportunidad son seres creados, que llegan a ser y sentir como humanos. La película puede parecer muy lenta a algunos, pero es en realidad muy detallista, en el espacio y en la composición de los planos, tanto del espacio como de sus personajes, y su respectiva interacción. Así que su ritmo pausado es llevado por su estética visual, y su metraje, que casi supera las tres horas, también se condensa en esta historia, que tiene una estructura que lleva al espectador por distintos caminos, incluso lo engaña y finalmente lo sorprende, sin dejar de develar todos los detalles. En general, una experiencia cinematográfica muy disfrutable, que no gustará a todos, pero que me parece que cumple y supera la expectativas, y continúa con dignidad el clásico original.


Rick Deckard: Eres un agente. Hice tu trabajo una vez. Era muy bueno.
K: Lo sé. Las cosas eran más simples entonces.
Rick Deckard: ¿Qué quieres?
K: Hacerte unas preguntas. 

Frases de la película Ethel & Ernest (Roger Mainwood)

Frases y Diálogos de la película de animación "Ethel & Ernest". Director: Roger Mainwood, Guión: Roger Mainwood (Novela: Raymond Briggs), Música: Carl Davis, Fotografía: Animation, Reparto: Animation, Jim Broadbent, Brenda Blethyn. Una verdadera joya de película, y una de las mejores pelis que vi en lo que va del año. La película compitió en el Festival Annecy 2017, el más prestigioso en cuanto a animación. "Ethel & Ernest" es una adaptación de la novela gráfica de Raymond Briggs, quien contó en esa novela la historia de sus padres. Dirige el animador Roger Mainwood, quien además adaptó el guión. La peli me parece una joya. Muchas pelis tratan de contar historias de toda una vida, pero pocas lo hacen con tanta precisión, acierto o un buen enfoque en la línea narrativa. Acá se cuenta la historia de esta bella pareja, en la Londres de los años 20, desde que se conocen y se enamoran, y como en el desarrollo de su historia íntima, a la vez se nos va presentando de forma sutil y circunstancial los eventos importantes de la historia de Londres y mundial durante gran parte del siglo XX. Y el enfoque, a partir de esta bella relación, de dos personas de clase trabajadora sin educación formal, que salen adelante con su trabajo, y vemos los adelantos sociales, científicos, y el contraste al que se enfrentan por la sociedad, su hijo y todo su entorno. La narrativa me encantó, tiene muchos detalles, y presenta un estudio social, cultural y político a través de una bella, muy sencilla e íntima historia. Que aunque es muy británica, tiene detalles muy generales y universales sobre la construcción del núcleo familiar. Aparentemente sencilla, pero muy profunda y conmovedora, sin detenerse ni alargar momentos innecesarios. Las voces de la pareja protagonista, la hacen dos grandes monumentos británicos: Jim Broadbent y Brenda Blethyn. Una de las joyas animadas y no animadas que veo del cine en el 2017.


Ethel: Todavía no me has invitado a conocer tu casa, corazón.
Ernest: Sí, pero no es tan linda como la tuya.
Ethel: ¿Cómo que no es tan linda?
Ernest: Bueno... Hay muchos ropavejeros. Hay muchas peleas afuera de los bares. Y mujeres. Los policías no entran. Al último que fue le dieron una paliza, se sentaron en él, llamando a más policías con su silbato.
Ethel: Ernest.
Ernest: No te va a gustar, corazón.

Frases de la película: A Ghost Story (David Lowery)

Frases y Diálogos de la película "A Ghost Story". Director: David Lowery, Guion: David Lowery, Música: Daniel Hart, Fotografía: Andrew Droz Palermo. "A Ghost Story" es la más reciente película del interesante director David Lowery (Ain't them bodies saints), que se estrenó en Sundance a inicios del año. La película es una rara, misteriosa y luminosa joya. Cuenta inicialmente la historia de una joven pareja (Rooney Mara y Casey Affleck), y el momento en que el joven músico muere en un accidente y vuelve a su casa en forma de un fantasma. Es increíble como teniendo tantos elementos en contra para caer en el ridículo o lo absurdo, el vestuario del fantasma, la trama, etc, poco a poco la historia va cogiendo un ritmo y va recorriendo caminos muy curiosos, que te llevan a una total experiencia auténtica y original, en un relato sobre el duelo, la perdida, el apego, el amor y el paso del tiempo. El formato de la imagen de la película es de 1:33:1, lo que le da un aspecto de estar viendo una película de fotos viejas, un álbum de recuerdos. Es muy minimalista, pero extremadamente cuidada y pulcra en su puesta en escena, su fotografía y su banda sonora ayuda a trasmitir esa atmósfera melancólica y lúgubre. Y dentro del argumento principal, que aparenta ser el duelo, también hay un componente filosófico, científico y místico, sobre el tiempo, la permanencia de la materia en cierto espacio, y la convivencia de los planos. La película además te muestra una curiosa incursión al tema de las casas encantadas y un coqueteo al cine de terror, pero dejando caer todos los grandes misterios sobre posibles maldiciones, y al contrario enternecer y conmover al espectador. Una película bella, tierna, profunda dentro de su sencillez y original. Y un aplauso al Lowery por este bello logro. Quien no entre en el encanto y la experiencia propuesta puede llegar a odiarla jeje.  


"A cualquier hora que una se despertara, una puerta se estaba cerrando".

(Virginia Woolf, La Casa Encantada)

Frases de la película: mother! (madre!) de Darren Aronofsky

Frases y Diálogos de la película "mother!" (madre!). Director: Darren Aronofsky, Guion: Darren Aronofsky, Música: Jóhann Jóhannsson, Fotografía: Matthew Libatique. “mother!”, la nueva película del siempre interesante Darren Aronofsky, cuenta la historia de una pareja vive en una casa apartada, y un día llegan dos visitantes que remueven su vida, su hogar y su casa. Al comentario de que es original e innovadora, no nada, me parece un refrito de refritos. Y con un regodeo interminable. Puede parecer interesante un momento, pude percibir una idea de trasfondo interesante para abordar, pero después el director coge vuelo y no se detiene a la perdición. Mezcla todos sus obsesiones: Religión, misticismo, psicología, etc jeje y la verdad su argumento no es muy difícil y complejo, y le puse mucha atención. Es críptico pero elemental por sus símbolos y figuras recurrentes, pero él lo envuelve y enreda todo para hacerse el moderno, el visionario y transgresor. Al final cansa, y no perturba sino que mancilla violentamente la vista del espectador. Lo grotesco tiene poesía, pero Aronofsky queda lejos de Sade o Baudelaire, y queda más cerca a Michael Bay con pretensiones autorales. Yo siempre trato de buscar algo salvable de las películas aunque no me gusten mucho. Acá no puedo rescatar mucho. Algunos la compararan con el eterno retorno de Nietzsche, al que quizás apelará el director. Pero su argumento es confuso, y apunta a todo y nada. Las referencias son reconocibles y puedes atisbar la desafortunada mezcla, Bebé de Rosemary, El ángel exterminador, La fuente de la vida, la Biblia, y los libros de Stephdn King: La ventana secreta y Misery, sobre escritores atormentados,  y sus locos fans, etc. Se explora la figura del creador, del proceso de creación universal, emparentado con Dios, el artista (escritor), y la Madre, la depositora, la herramienta, el sufrimiento, la entrega, la inspiración... ese intermedio entre el acto de creación y el creador. Y en otra línea aparecen los hijos, los seguidores, los fans, el pueblo, que exige sin saciarse al creador, aclarando su gran apología bíblica al génesis. Sinceramente no sé cómo logró que Paramount patrocinara semejante producto, aunque hayan salido a defenderlo por su originalidad, y su visión; se nota que los productores no han visto películas que merezcan esos adjetivos y se dejaron llevar por el nombre del director, y el de su novia, Jennifer Lawrence. Porque esos adjetivos para mí no pertenecen a este engendro. Intenta ser mucho, y lo aparenta, pero viéndola bien no hay mucho fondo. (Al final dejo enlace a una reseña, crítica y análisis más extenso sobre la película)



Madre: Quiero hacer un Paraíso.

Frases de la película: Fai bei sogni (Felices sueños) de Marco Bellocchio

Frases y Diálogos de la película "Fai bei sogni" (Felices sueños). Director: Marco Bellocchio, Guion: Valia Santella (Novela: Massimo Gramellini), Música: Carlo Crivelli, Fotografía: Daniele Ciprì. “Fai bei sogni” (Felices sueños) es la película más reciente del reconocido director y guionista italiano Marco Bellocchio (Bella addormentata, Sangre de mi sangre). En esta oportunidad adaptando la novela de Massimo Gramellini. La película cuenta la historia de Massimo, un niño de 9 años que vive feliz con sus padres, especialmente con su madre, quien a la vez es inestable emocionalmente, pero su hijo la adora y desarrolla una relación edípica. Su madre muere, y Massimo contrariado y abatido, por no conocer la razones de su muerte, y la distancia con su padre, crece como un conocido periodista pero con muchos traumas. La película es muy bella, Bellocchio tiene una sensibilidad especial para estos dramas íntimos, familiares y humanos. La forma en que entreteje y estructura la narración es muy virtuosa, puede ser de la novela, y permite que vayamos poco a poco explorando y descubriendo las pérdidas de Massimo. Porque en efecto, es una historia sobre las pérdidas, y la ausencia... de la madre, de la verdad, de la infancia, de la esperanza... sobre cómo condicionamos nuestra mente desde pequeños para no sufrir, obviando detalles, sobre las mentiras que nos cuentan y nos contamos a nosotros mismos. La ambientación y la fotografía es muy apropiada y trasmite la atmósfera nostálgica, tanto en el presente como en los flashbacks. También es una historia de amor, a nosotros, a las personas y a nuestros padres... al afecto, al cariño, aquel que a veces no se hace presente en la infancia, o no lo percibimos. Ya que también nos habla de los recuerdos, y como estos son selectivos de acuerdo a nuestras mismas emociones. En fin, una joya bella, triste, humana y luminosa. 



Madre de Massimo: Que tengas dulces sueños.

Frases de la película It (Andrés Muschietti)

Frases y Diálogos de la película "It". Director: Andrés Muschietti, Guion: Chase Palmer, Gary Dauberman (Novela: Stephen King), Música: Benjamin Wallfisch, Fotografía: Chung-Hoon Chung. "It", el esperado estreno de la nueva adaptación al cine del libro de Stephen King, que creo que es uno de los mejores libros que ha escrito, llegó a carteleras de cine. Dirigida por el director argentino Andrés Muschietti (Mama). La película me ha agradado, y ha superado mis expectativas. De niño vi la primera adaptación pero honestamente no la recuerdo muy bien, sólo recuerdo al payaso. En esta oportunidad, creo que supera con creces a su antecesora en muchos aspecto. "It" es un ente, un payaso, que tiene la característica de asumir la forma de los mayores miedos de los niños, de lo que también se alimenta. Rescata y aprovecha las virtudes del libro, el miedo como el gran potenciador del mal, pero el mal también es mostrado en distintos aspectos, no solamente proveniente del #PayasoPennywise sino desde la misma familia, de los padres, como alimentan el miedo y la tristeza de sus hijos. Así que es cierto, #It siempe ha sido una historia de superación, del mal, de los miedos, de madurez. Por eso me pareció importante ese necesario enfoque en la vida de los niños, un grupo de #losers que son más vulnerables precisamente por el constante acoso de compañeros y padres, y que poco a poco gracias a la amistad se van fortaleciendo y superando sus temores. Hay un bello retrato de la infancia/adolescencia, tratado con humor, fragilidad y belleza. Para luego contrastar a la amenaza de It. El casting de los pequeños es excelente, aunque hay actores de Strangers Things #strangersthings se nota su influencia en la película, el tono ochentero y diversos enfoques, detalles que también bebió la serie de Netflix del libro de King. Técnicamente es muy buena, tiene una buena dirección, y un guión que se amolda a la propuesta, que es fiel y a la vez se da afortunadas licencias, adaptado por Chase Palmer y Gary Dauberman, quienes heredaron el trabajo que empezó haciendo el también director Cary Joji Fukunaga, pero al final no se tuvo en cuenta todo ese guión, porque Fukunga había incluido escenas muy fuertes del libro. Es curioso que la película haya pasado a categoría de mayores de 18 años, y no se hayan permitido explotar el material oscuro de la novela, aunque trate se sugerirlas muy pero muy sutilmente en esta versión. Aún así, Es cine de entretenimiento hecho con calidad y detalle, no un simple producto de comercio, se nota un trabajo cuidado detrás. Y no se esperen el gran terror, porque aunque no son tan potentes y excesivas las escenas de sustos, juega con el elemento del miedo y del mal de forma que puede ser incluso más tenebrosa. Varias escenas me sorprendieron por lo bellas, sobre todo cuando se enfoca en la vida de los chicos, mucho más que la de los sustos y el terror del payaso... porque eso es It, un elemento, nada determinado, que adquiere poder y forma por los estímulos recibidos de forma externa... como todos los monstruos. Y la película nos deja abierta la puerta para el segundo capítulo, donde seguro incluirán la otra parte del libro, que es cuando los niños son adultos. Creo que aún así, ninguna de las dos películas alcanzan a ser tan tórridas, duras y sórdidas como el libro lo alcanza a ser… y donde el terror y la maldad humana es mucho más fuerte. 


Pennywise: ¡Hola Georgie! … Qué bonito barco. ¿Lo quieres de vuelta?
Georgie: Um... Sí, por favor.
Pennywise: Pareces un buen chico, apuesto a que tienes muchos amigos.
Georgie: Tres... pero mi hermano es lo mejor de todos.
Pennywise: ¿Dónde está?
Georgie: En la cama. Enfermo.
Pennywise: ¡Apuesto a que puedo animarlo! Le daré un impulso. ¿Quieres un globo también, Georgie?
Georgie: No se supone que debo tomar cosas de extraños.
Pennywise: ¡Oh! Bueno, soy Pennywise, el payaso que baila. ¿Pennywise? "¿Sí?", "Conoce a Georgie". "Georgie, conoce a Pennywise"… Ahora no somos extraños. ¿Estamos?
Georgie: ¿Qué haces en la alcantarilla?
Pennywise: Una tormenta me hizo volar. Sopló todo el circo. ¿Puedes oler el circo, Georgie? Hay cacahuetes... dulces de algodón... perritos calientes ... y ...
Georgie: ¿Palomitas?
Pennywise: ¡PALOMITAS! ¿Ese es tu favorito?
Georgie: Si.
Pennywise: ¡El mío también!
Georgie: Hum ... Debo irme, ahora.
Pennywise: ¡Oh! ¿Sin su barco? No quieres perderlo Georgie. ¡Bill va a matarte! Aquí. Tómalo… Tómelo, Georgie.

Frases de la película Baby Driver (Edgar Wright)

Frases y Diálogos de la película "Baby Driver". Director: Edgar Wright, Guión: Edgar Wright, Música: Steven Price, Fotografía: Bill Pope. La más recuente película del director Edgar Wright (Scott Pilgrim Vs the World), es uno de los estrenos esta semana en Colombia. Desde sus primeras escenas, e incluso al leer su sinopsis me recordó inmediatamente a esa excelente película del 2011, "Drive" de Nicolas Winding Refn (creo que la única que me gusta del director). Esa película con esencia ochentera, con una gran dirección, fotografía, y una estupenda banda sonora, sumado al protagonista (Ryan Gosling) un personaje ido, solitario, con una gran habilidad en el volante, y con trabajo dudoso. En "Baby Driver", Wright nos presenta a un joven con un gran talento en el volante, también de pocas palabras e ido, este tiene un trauma auditivo, que le hace siempre estar escuchando música para evitar el zumbido agudo de rezago al accidente que tuvo de niño. También tiene un trabajo dudoso al volante, un jefe letal, y Baby se maneja también con una interesante banda sonora, que cumple un papel importante, así como en Drive. Además de esa notable inspiración en Drive, Wright, como es común en su cine, lo llena de referencias a otras películas, y si en Drive teníamos banda sonora y esencia ochentera, en Baby Driver tenemos una mezcla más variada de rock, pop, etc. Teniendo en forma general un estilo y una estructura más pop (tipo art pop), un collage de estilos y de elementos, que dan como resultado un producto entretenido, vistoso y muy bien llevado. Wright sabe dirigir, y logra muy buenas escenas en sus composiciones, desde las secuencias con música, hasta las escenas de acción. Por momentos es imprescindible, a pesar de las referencias, pero al final cae un poco en unos elementos muy clichés, que le restan un poco a esta propuesta con cierta originalidad. Aunque parte de su cierre se compone, no te deja el argumento mocho o sin lógica. Al final, creo que es un producto vistoso, entretenido y con una propuesta y elementos artísticos de valor. Pero me quedo con Drive.


Bats: El momento en que atrapas sentimientos es el momento en que atrapas una bala.

Frases del documental Notes on Blindness (Pete Middleton, James Spinney)

Frases y Diálogos del documental "Notes on Blindness". Director: Pete Middleton,  James Spinney, Guion: Pete Middleton, James Spinney, Música: James Ewers, Noah Wood, Fotografía: Gerry Floyd. "Notes on Blindness" (Apuntes sobre la ceguera) es un bello y estupendo documental, dirigido y editado por Pete Middleton y James Spinney, quienes utilizaron las cintas de audio que grabó John Hull, un escritor, teólogo y profesor de la Universidad de Birmingham que quedó ciego. En esas cintas, John se cuestiona, se pregunta e indaga sobre su condición, dando como resultado uno de los retratos más bellos, duros y reales sobre el mundo interior de la ceguera. En el documental se utilizan las mismas grabaciones, pero crean un relato visual también, donde los actores siguen las narraciones de los audios originales. Es una joya que nadie debería perderse para saber y conocer un poco más sobre esta condición. El documental es una de las mejores películas que veo en el año. Un must see.


John Hull: Hay algo muy purgante sobre la ceguera... que uno se destruye o se renueva. 

John Hull: Una nota sobre la conciencia de Thomas de mi ceguera vagó tristemente por las montañas, sabiendo que nunca podría mirar en los hermosos ojos de Rapunzel otra vez. Thomas me preguntó: "¿Por qué no podía ver?" "Porque sus ojos estaban mal." "Mis ojos están mal." Me dijo de una manera muy seria e inquisitiva... "¿Eres ciego?" "sí, lo soy." "Tus ojos están cerrados." "Sí, pero incluso cuando abro los ojos, no puedo ver." "¿No ves las imágenes?" "Puedo ver las imágenes." "Tus ojos no están mal." Puse mi mano sobre sus ojos y los mantuve cerrados. "¿Ahora puedes ver?" Dije. Él dijo "No." "¿Ahora?" "Si, ahora puedo ver." "Sí, mis ojos no están mal." Me recuerda cuando en Wales estando con Imogen, ella me dijo... "Papi, si lloro y mis lágrimas caen sobre tus ojos," "¿Podrías ver de nuevo?" Esta idea la saco, estoy seguro, de Rapunzel. Y vivieron felices para siempre.

Frases de la película Koe no katachi (A Silent Voice) de Naoko Yamada

Frases y Diálogos de la película "Koe no katachi" (A Silent Voice) o Una Voz Silenciosa. Director: Naoko Yamada, Guion: Reiko Yoshida (Manga: Yoshitoki Ōima), Música: Kensuke Ushio, Fotografía: Kazuya Takao. Otra joya animada recién salida del horno, compitió en la más reciente edición del Festival de Annecy, el más importante del mundo en cine de animación. "Koe no katachi" (A Silent Voice) de Naoko Yamada, el animador japonés, director de la bella "Tamako Love Story". En esta ocasión adapta un manga, con una historia aparentemente sencilla, pero que es increíblemente dura y con un tema difícil, tratado de una forma muy honesta y realista. Aunque el póster indique que es una historia de amor, quizás si haya algo de romance, pero narra la historia de Shouko, una joven sorda que llega nueva a un instituto, y como sus compañeros inician a hacerle bullying, especialmente Shouya, un chico de la clase, que posteriormente sufre de lo mismo. Se encuentran años después e intentan sanar heridas, no sólo ellos sino los otros amigos alrededor que se vieron afectados. Es muy dura, incómoda y por momentos desesperante y asfixiante porque retrata el peso de la culpa de forma muy real y fiel, y de cómo la consciencia siempre persigue, sino es la de nosotros, la de los otros. Es interesante la forma y algunos detalles, como los elementos utilizados que acompañan la narración. Figuras y símbolos que representan la marginación, el desapego o la indiferencia ante la realidad. Al final es una bella, dura, dolorosa pero finalmente luminosa historia, que trata de forma valiente un tema, que no siempre es tratado con los matices y sin los sesgos que aquí se trata. Este año pinta bien para la animación. 


Nagatsuka-kun: Suena como de grandes amigos, ¿no? De todos modos, ¿qué te preocupa? Cuéntamelo todo, somos amigos.
Shoya Ishida: Nagatsuka-kun. ¿Cómo se define un amigo? Un tipo de licencia... un derecho o algo así, para ser amigo de alguien.
Nagatsuka-kun: Oye, Ya-sho. Dame tu mano. (Haciendo un juego con las manos). Esto es la amistad. Yo creo, Ishida-kun. La amistad existe más allá de la lógica y la razón. ¿Licencia? No se necesita tal cosa. Es ridículo.

Frases de la película Spider-Man: Homecoming (Jon Watts)

Frases y Diálogos de la película Spider-Man: Homecoming (De regreso a casa). Director: Jon Watts, Guion: John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Christopher Ford, Chris McKenna, Jon Watts, Erik Sommers (Personajes: Steve Ditko, Stan Lee), Música: Michael Giacchino, Fotografía: Salvatore Totino. Refrescante nueva adaptación del famoso súper héroe de Marvel. Como parte del gran ensamblaje de la saga de Los Vengadores, mantiene el espíritu que ha mantenido esa serie de películas y que ha explotado tan exitosamente. En esta ocasión, con la exploración a un Spider Man más joven, y que está intentando ganarse su puesto dentro del grupo de vengadores. Hay una gran influencia de su proyector Tony Stark, y en general resulta una película entretenida, y yo lo veo como esas películas de transición, que hacen parte importante para la construcción de un universo más grande. Me gusta que haya esa sincronización entre personajes, ideas e historias. La película cumple con sus objetivos, y nos muestra un simpático héroe, muy bien interpretado por Tom Holland. En cuanto al villano, y la batalla, si muy bajo el nivel, pero como he dicho, funciona como película de transición, pero individualmente, además de los puntos positivos que he mencionado, es un poco floja. 


Peter Parker: Estoy harto de que el Sr. Stark me trate como a un niño.
Ned Leeds: Pero eres un niño.
Peter Parker: Sí. Un niño que puede detener un autobús con sus propias manos.

Frases de la película La guerra del planeta de los simios (War for the Planet of the Apes) de Matt Reeves

Frases y Diálogos de la película "La guerra del planeta de los simios" (War for the Planet of the Apes). Director: Matt Reeves, Guion: Mark Bomback, Matt Reeves (Novela: Pierre Boulle), Música: Michael Giacchino, Fotografía: Michael Seresin. Luego de dos sobresalientes películas de la renovación de la clásica saga de El Planeta de los Simios, Matt Reeves toma nuevamente la dirección y la adaptación del guión, luego del excelente trabajo en la segunda parte, El amanecer del planeta de los simios. Y firma una excelente conclusión de la trilogía. Mantiene la esencia de sus antecesoras, una gran producción de impecable factura y técnica, con un guión sólido y coherente, y el excelente trabajo de Andy Serkis como el gran simio líder, César. En esta parte, se sitúa en un entorno donde los humanos sobrevivientes del virus propiciado por los simios, planean un exterminio total de la especie. En una guerra por seleccionar a la especie que al fin de cuentas dominará el planeta, en caso de perder los humanos, sería un Planeta de Simios. Bajo esa base transcurre la historia, una lucha que al inicio parece desigual, con un César herido debido a un suceso traumático que lo llena de odio. Pero poco a poco la trama se va aclarando, y con verdadera lógica y coherencia teje un guión que pone una guinda a una excelente saga. Como lo dice en su póster, sobre la libertad, la familia, el planeta, y la permanencia de la especie. Altamente emotiva, emocionante y con buen ritmo. Los personajes tienen sus conflictos y dilemas internos, y de ambos bandos son mostrados en su vulnerabilidad y dudas, en fin una interesante inspección a la naturaleza humana y del ser vivo. Un excelente cierre para una saga que fue aumentando su calidad, y que representa el ejemplo de cine de entretenimiento de calidad, tanto en producción como en historia y guión. Muy recomendada, la saga completa. El 3D no molesta.


César: No empecé esta guerra. Te ofrecí la paz. Te mostré misericordia. Pero ahora estás aquí. Para acabar con nosotros... para siempre.

César: No empecé esta guerra. Pero la terminaré.

Frases de la película Dunkirk (Dunkerque) de Christopher Nolan

Frases y Diálogos de la película "Dunkirk" (Dunkerque). Director: Christopher Nolan, Guion: Christopher Nolan, Música: Hans Zimmer, Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Finalmente ha llegado a salas la nueva película de Christopher Nolan, que tan bien recibida ha sido por la crítica. La película es un prodigio técnicamente, y es cine de entretenimiento de calidad, la fotografía, la edición de sonido, todo funciona. Es el retrato de Nolan de la guerra, una proclama anti bélica que se centra específicamente en la angustia de la guerra, en la desesperanza, la ansiedad, en el miedo de unos jóvenes que aún no han vivido lo que deberían vivir. Precisamente utiliza las herramientas técnicas para ahondar de forma incisiva en las emociones de sus personajes. Recrea los hechos históricos que ocurrieron en las costas de Dunkerque (Francia), donde los ingleses y aliados fueron acorralados por las tropas alemanas, quienes tenían de única posibilidad salir por el mar hacía su hogar. La película está estructurada desde tres perspectivas: Aire (Fuerza aérea), Tierra (Tropas atrapadas) y Mar (Embarcaciones civiles), en cada una de ellas con variantes, e incluso Nolan se permite contar una misma escena desde los 3 distintos puntos, y con ello aludiendo a su manía de jugar con el tiempo. Pero no se asusten, la trama es realmente muy sencilla y fácil de entender. Es un drama existencial complejo, que mezcla con excelentes escenas aéreas, y de ataques sobre mar. Pero el cruce de fuego no es lo importante, la cámara siempre se centra en los rostros de los soldados. Desde todo el aspecto técnico me parece impecable, y algunos conflictos con dilemas morales dan un condimento adicional pero no se ahonda en ellos, hasta ese final previsiblemente emotivo y triunfalista, con la banda sonora rechinando hasta el cansancio. Aunque la mezcla de sonidos y todos los efectos sonoros dentro del filme son muy bien logrados. En fin, Dunkirk apunta a varias partes, pero no deja de ser otra gran producción de entretenimiento de calidad, pensaba compararla quizás con el impacto de “Mad Max” de hace unos años, pero esa película fue fiel a sí misma y no apuntaba a tanto ni a tanta trascendencia... Nolan intenta hacer algunas reflexiones, contraponer puntos, y afortunadamente lo hace sin diálogos insufribles, buscando dar un toque autoral, que en realidad nunca ha tenido, o quizás en sus inicios, pero la película está lejos de ser una obra maestra y de sus mejores trabajos. Eso sí, es un producto de entretenimiento de calidad, muy bien hecho. Y aunque tiene escenas fuertes, no es tan oscura como pudo ser, ni poética, sino que se queda en la superficie, a pesar de conectar con el sufrimiento y la angustia de los hombres en batalla, y en la reafirmación de solidaridad del pueblo inglés, al ir en la búsqueda de sus soldados e hijos al campo de batalla. Recomendada para disfrutar de su despliegue técnico y conocer un evento histórico, de ahí nada más.


Comandante Bolton: Casi puedes verlo desde aquí.
Capitán Winnant: ¿Qué?
Comandante Bolton: Nuestro hogar.

Frases de la película Sing Street (John Carney)

Frases y Diálogos de la película "Sing Street". Director: John Carney, Guion: John Carney (Historia: John Carney, Simon Carmody), Música: Varios, Fotografía: Yaron Orbach. La película del director irlandés John Carney, estrenada el año pasado, en el 2016, en poco tiempo se convirtió en un pequeño clásico del subgénero musical de adolescentes que crean una banda. Desde que la vi el año pasado, y entró en mi lista de lo mejor del cine del 2016, no la he podido olvidar fácilmente, y varias escenas o algunas canciones siempre se me vienen a la cabeza. De hecho tengo varias en mi mp3. La película es muy fresca, auténtica, y aunque de trasfondo toca temas dramáticos, como la crisis económica, la violencia familiar y escolar, los sortea de muy buena forma, y los mezcla con momentos y diálogos muy cómicos, con aquello que nunca falta en la juventud: el amor y el romance, y todo el repertorio musical, que es muy bueno. Son varios elementos que funcionan, y poco a poco van esculpiendo una obra difícil de olvidar, y que te llega de muchas maneras. Muy recomendada. 


Raphina: ¡Hola, Cosmo!
Conor: ¿Quién?
Raphina: Cosmo, así te llamaré ahora. Necesitas un nombre llamativo si vas a estar en una banda.
Conor: Verdad. ¿Qué te sucedió?
Raphina: Nada.
Conor: Vamos.
Raphina: Realmente me gustó tu canción. Me hizo llorar.
Conor: Oh, lo siento mucho.
Raphina: No, es algo bueno.

Frases de la película The Lost City of Z (Z La Ciudad Pérdida) de James Gray

Frases y Diálogos de la película "The Lost City of Z". Director: James Gray, Guion: James Gray (Libro: David Grann), Música: Christopher Spelman, Fotografía: Darius Khondji. La más reciente película del gran director James Gray. En esta oportunidad con su película más ambiciosa hasta la fecha, en cuanto a producción. Basada en hechos reales, y a la vez adaptación de la novela de David Grann, cuenta la historia del explorador británico Percy Fawcett, quien a principios del Siglo XX participó en varias expediciones al Amazonas, inicialmente a Bolivia para completar la cartografía de los antiguos mapas, y posteriormente con la obsesión de encontrar una antigua civilización en la selva del Amazonas. He leído varios comentarios de parte de la crítica y el público, y hay una tendencia diferenciador, especialmente en el portal Filmaffinity donde soy colaborador habitual también. La crítica la alaba y el público la aborrece. Algo habitual en el cine de James Gray también, pero al leer la sinopsis varios se esperaron una gran película de aventuras con mucha acción, y claramente quedaron decepcionados. En casos como estos se agradece el papel de la crítica, porque la película es una delicia. Yo si la sentí como una gran aventura, pero claramente Gray pone su sello, es especialista en tomar argumentos aparentemente tradicionales, y ahondar en ellos de maneras poco usual, logrando grandes resultados autorales. The Lost City of Z, no es sólo un viaje de aventuras, es el retrato de una obsesión, y de una pasión, y como ella nos lleva arrastrar a todo a nuestro paso, incluso a nuestros seres más queridos. Me pareció estupenda, excelentemente realizada, con su elegancia y clasicismo habitual; también es hermosa y terriblemente devastadora. Dura más de dos horas pero nunca decae, y a mi personalmente me mantuvo en vilo y sufriendo en muchos momentos. De la aventura y sus peligros, la traición, la amistad, la guerra, la familia, y la cruel desazón de la vida, teñida de vil esperanza. Es James Gray, uno de los grandes realizadores vivos. 


Henry Costin: ¿Qué estás leyendo?
Percy Fawcett: Un poema. De mi esposa. Es Kipling. Se llama "El explorador".
Henry Costin: Apropiado.
Percy Fawcett: ¿Quieres oírlo? Es un largo camino hasta llegar al Amazonas.
Henry Costin: Adelante.
Percy Fawcett: "Es absurdo ir más lejos, es el límite de la conservación. Eso dijeron y lo creí. Abrí mi tierra y sembré mi cosecha. Construí mis graneros y até mis cercas... en la estación fronteriza. Me oculté en los piedemontes donde los senderos terminan y se detienen. Hasta que una voz, tan mala como la conciencia, anunció cambios interminables con un susurro eterno que repitió durante días y noches: Algo oculto. Ve y encuéntralo. Busca detrás de las cordilleras. Algo perdido detrás de ellas. Perdido y aguardándote. Ve.

Frases de la película: Ma Vie De Courgette (La vida de Calabacín) de Claude Barras

Frases y Diálogos de la película "Ma Vie De Courgette" (La vida de Calabacín). Director: Claude Barras. Céline Sciamma, Germano Zullo, Claude Barras, Morgan Navarro, (Novela: Gilles Paris), Música: Sophie Hunger, Fotografía: David Toutevoix. Una de las películas nominadas al Oscar a Película de Animación (y la que debería ganar), ganadora del Premio a Mejor Película en el Festival de Annecy (el más importante en animación), y en el Festival de San Sebastián el Premio del Público. Esta belleza filmada es stop motion es una de las mejores películas del 2016, de animación y no animación. Es absolutamente hermosa, tierna, dolorosa y humana. Calabacín, es un niño que al perder su madre es trasladado a un hogar de acogida, donde se relaciona con niños con su misma condición. La animación es preciosa, delicada y muy detallista. Los encuadres y su concepción son tan bien hechos y cuidados, que tiene varias de las escenas más bellas y logradas del año en el cine del 2016. Su guión es excelente, es una adaptación de la novela de Gilles París. Es una absoluta maravilla y una obra de arte. La mejor película de animación del año pasado, y de las mejores de la década. Y entre lo mejor del cine general del 2016.


Raymond: Tu madre ya no está allí, Icare.
Calabacín: ¡Mi nombre es Calabacín!
Raymond: Calabacín... ¿Tu mamá te llamaba así? Hm. Mi nombre es Raymond.
Calabacín: ¿Tu mamá te llamaba así?

Frases de la Serie: House of Cards - Season 5 (Netflix)

Frases y Diálogos de la Serie "House of Cards" - Season 5: La quinta temporada inicia con fuerza, luego ocurre lo que siempre ocurre en las series, hay varios episodios rellenos, alargados y con falta de emoción, de ritmo, pero sin embargo la historia se mantiene y va tejiendo pequeños detalles, y mantiene el interés del espectador por seguir viendo y saber qué es lo próximo que pasa... para rematar en unos últimos episodios muy intensos, que suplen la falta de ritmo de los anteriores, y dibujan un nuevo escenario, que además deja en bandeja de plata, un nuevo e interesante escenario para la 6ta temporada.


Frank Underwood: El pueblo estadounidense no sabe lo que le conviene. Yo sí. Sé exactamente qué necesita el pueblo. Son como niños, Claire. Los hijos que nunca tuvimos. Tenemos que limpiarles las manos y la boca. Enseñarles a distiguir el bien del mal. Decirles qué pensar, cómo sentirse y qué querer. Incluso necesitan ayuda para escribir sus fantasias más salvajes, para desarrollar sus peores miedos. Por suerte para ellos… me tienen a mí. Y te tienen a ti. Underwood. Underwood. 2016. 2020. 2024. 2028. 2032. 2036. Una nación… Underwood. 

Frases de la película: Wonder Woman (La Mujer Maravilla) de Patty Jenkins

Frases y Diálogos de la película "Wonder Woman" (La Mujer Maravilla). Director: Patty Jenkins, Guion: Allan Heinberg (Historia: Zack Snyder, Allan Heinberg, Jason Fuchs; Personajes: William M. Marston), Música: Rupert Gregson-Williams, Fotografía: Matthew Jensen. “Wonder Woman”, de la directora Patty Jenkins (Monster), es la más reciente película que muestra los orígenes de los súper héroes de DC Cómics. Y es la oportunidad de la icónica mujer maravilla. La película, me ha parecido un acierto. Desde la hermosa Gal Gadot, que hace un excelente papel de Diana, la princesa de las Amazonas entrenada para ser una guerrera invencible. La película sigue las mismas fórmulas de todas las películas de superhéroes que se han venido haciendo (y vendrán)... un poco de humor, contexto histórico, romance, etc. Pero en esta oportunidad han tenido particular cuidado en el detalle y la coherencia de la historia y los personajes. La historia de las Amazonas, de los dioses, y la de la Primera Guerra Mundial. Cada una está bien retratada, sin muchos excesos, ni casi incoherencias... igualmente en los enfrentamientos entre los personajes, y sus características especiales y como interactúan dentro de cada espacio. En fin, todo tiene aparentemente un cuidado en la realización y la representación. Y se agradece ese detalle con el público. Al final, resulta una película entretenida, bien realizada desde el aspecto técnico, y logra estar un escalón por encima en el detalle que siempre flaquea las películas de superhéroes, y es en su historia, su guión y su edición. Me parece un muy buen aporte a las sagas, y un producto decente.


Steve Trevor: Puedo salvar el día de hoy, pero tú puedes salvar el mundo.

Frases de la película: Piratas del Caribe: La venganza de Salazar (Joachim Rønning, Espen Sandberg)

Frases y Diálogos de la película "Piratas del Caribe: La venganza de Salazar" (Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales). Director: Joachim Rønning, Espen Sandberg, Guión: Jeff Nathanson (Personajes: Ted Elliott, Terry Rossio Stuart Beattie, Jay Wolpert), Música: Geoff Zanelli, Fotografía: Paul Cameron. La quinta entrega de la exitosa saga Piratas del Caribe, dirigida por los Joachim Rønning y Espen Sandberg, directores de Kon-Tiki, se titula La Venganza de Salazar. Una película que sigue el mismo camino y formula de las anteriores entregas. En general, es lo mismo de siempre. Nuevos componente e integrantes más jóvenes con los mismos problemas, que parecen tomar el relevo para futuras entregas. Aunque cada uno tiene una historia particular y especial con los viejos personajes de la trama. Aún así, resulta entretenida, y una película de aventuras con una buena producción para pasar un buen rato. Y siempre es agradable ver al inolvidable Jack Sparrow, y las historias de piratas. Aunque creo que ya deberían parar con las sagas. Podría ser un digno final.


Carina Smyth: ¡No estoy buscando problemas!
Capitán Jack Sparrow: ¡Qué horrible manera de vivir!

Frases de la película: Get Out (¡Huye!) de Jordan Peele

Frases y Diálogos de la película "Get Out" (¡Huye!). Director: Jordan Peele, Guion: Jordan Peele, Música: Michael Abels, Fotografía: Toby Oliver. Ópera prima del director, comediante y guionista estadounidense. Que ha sido una de las películas sensación de la primera temporada del año, y se encuentra ahora mismo en carteleras en Colombia, bajo el nombre de “Huye!”. Escrita por Peele, cuenta la historia de Chris Washington, un joven afroamericano que visita a la familia de su novia blanca, Rose, por primera vez. Todo parece normal al principio, pero poco a poco Chris se va dando cuento de cosas extrañas que ocurren a su alrededor. La película es un cóctel de varias cosas. Inicialmente me parece una película con un planteamiento interesante, porque a pesar de que no es un tema original, me parece que la película en su primera parte logra algo con mucha eficacia y destreza: retratar el miedo. Pero un tipo de miedo y temor especial, el de un joven negro que se siente temeroso de conocer a la familia blanca de su novia. Y luego con la reunión familiar, somos testigo de distintos tipos de discriminación, especialmente la que se hace sutilmente, con pequeños comentarios sutiles, con referencia, pero igualmente hirientes. Desde ese aspecto, el tema racial tiene un interesante planteamiento. El problema viene después, con la continuidad de la historia, de la que no puedo hablar mucho para no develar detalles, pero donde cae y se mancha un poco la propuesta inicial. Pasa de una comedia negra con ambición de thriller psicológico con gran potencial, a una comedia de segunda, con muchos clichés mal llevados de forma muy fácil, y con tintes gore y toque black mirror… pasa a lo banal de forma muy rápido. Si bien, puede seguir resultando entretenida, creo que queda la sensación que pudo llegar un poco más allá, teniendo en cuenta su planteamiento. No es una mala película, pero me parece fallida y con un potencial no explotado. Y con un interesante planteamiento inicial.


Rose Armitage: ¿Qué?
Chris Washington: ¿Saben... Saben que soy negro?
Rose Armitage: No. ¿Deberían?
Chris Washington: Parece... que es algo que tal vez te guste... compartirles.
Rose Armitage: "Mamá y papá, mi novio negro irá este fin de semana... y no quiero que se sorprendan porque es negro, negro...
Chris Washington: Dijiste que era tu primer novio negro.
Rose Armitage: Sí, ¿y qué?
Chris Washington: Si. Así que esto es un territorio inexplorado para ellos. No quiero que me persigan con un arma en el patio delantero.
Rose Armitage: Eso no sucederá. Primero, mi papá habría... votado por tercera vez a Obama, si hubiera podido. Como que, el amor es tan real. Te digo esto sólo porque definitivamente... querrá hablar contigo sobre eso... Y definitivamente será un maldito asco. Pero eso es principalmente porque es un papá tonto. Más que cualquier otra cosa. No son racistas. De acuerdo. Te lo habría dicho. No te llevaría a casa. Sólo piensa en eso por dos segundos.

Nick Cave: One More Time with Feeling (Andrew Dominik)

Frases y Diálogos del documental "Nick Cave: One More Time with Feeling". Director: Andrew Dominik, Guion: Andrew Dominik, Música: Nick Cave, The Bad Seeds, Fotografía: Benoît Debie, Alwin H. Küchler (B&W). La mejor película que veo en lo que corre del año, es este documental. Andrew Dominik (The Assassination of Jesse James By The Coward Robert Ford), filma este documental, que inicialmente iba a ser sobre el nuevo disco de Nick Cave & the Band Seeds, el grupo australiano, liderado por el músico, actor y escritor Nick Cave. Pero en medio del rodaje fallece uno de los hijos de Cave, por lo que el documental se transforma en un bello y doloroso estudio sobre el dolor, el duelo, la pérdida, y su implicación en el proceso creativo. Domink dirige con destreza, respeto, audacia y gran valor artístico este camino. La edición me pareció muy buena y la dirección, evitan caer en la exposición del drama, sino que lo rodean de forma poética, tejiendo un bello lazo a su alrededor, entre el virtuosismo del director con la cámara, y las grabaciones de las canciones de Nick. Un acertado blanco y negro tiñe la atmósfera melancólica del metraje, y nos dejan un documental muy bello, triste, catártico. Y un acercamiento inusual y profundo sobre el duelo y la creación artística. Definitivamente los documentales cada vez buscan mejores formas de expresión. Una joya. 


Nick Cave: A menudo las canciones... presagian situaciones del mismo modo que los sueños... profetizan cosas de vez en cuando. Por ejemplo, Susie es muy supersticiosa con mis canciones. Le parecen señales de alarma. Que hay... Porque... Exacto. Pero, como ya he dicho... no me parece característico de lo que yo hago... aunque es verdad que compongo un tipo de canción... con ansiedad, temor... y angustia por naturaleza... de modo que pueden presagiar... Pueden presagiar... ciertos acontecimientos.

Frases de la película: The Salesman (Asghar Farhadi)

Frases y Diálogos de la película "The Salesman" (Forushande). Director: Asghar Farhadi, Guión: Asghar Farhadi, Música: Sattar Oraki, Fotografía: Hossein Jafarian. Farhadi, quien ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera, por la excelente "Nader y Simin, Una Separación", vuelve con The Salesman, con la cual logró su segundo Oscar en la misma categoría, venciendo a la favorita alemana, y también excelente Toni Erdmann, luego de ganar en Cannes a Mejor Guión y Mejor Actor. “The Salesman”, es un drama filmado y escrito con maestría. Donde Farhadi vuelve a demostrar su grandeza. Una formato sencillo, pero que con pulso alcanza un gran ritmo y tensión de principio a fin. Un excelente guión, grandes actuaciones y dirección del laureado cineasta iraní. 


Emad: ¿Qué están haciendo en esta ciudad? Ojalá pudiéramos romper todo y empezar de nuevo.
Babak: Ya lo han destruido y reconstruido, y vean en qué lo han convertido.