Frases de la película: Soul (Pete Docter, Kemp Powers) - 2020 / U.S.A / Disney +

Frases y Diálogos de la película "Soul". Director: Pete Docter, Kemp Powers, Guion: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers, Música: Jonathan Batiste, Trent Reznor, Atticus Ross, Fotografía: Animación, Matt Aspbury.

MiniReseña: Bella película que explora nuevamente el tema de la estructura interna de las emociones, las motivaciones y el sentido de la vida. Siguiendo la esencia de “Inside Out”, la película tiene una marcada división entre la historia adulta y la más accesible para niños, que a la vez tiene muchos componentes existencialistas y metafísicos, no siempre tratados de forma clara o efectiva. Y es preciso en esa parte “más accesible” donde encuentro problemas con la historia. Además de sentirse como una historia excesivamente planificada con una fórmula para agradar al máximo público posible, yo personalmente siento la desconexión entre varias de las transiciones entre los dos mundos en que se mueve la película. Y esto es algo que Pixar no tenía antes, su fórmula no era tan evidente para agradar a adultos y niños por igual. La parte adulta, al contrario, me parece muy bien llevada en su mayor parte, logrando una mayor conexión entre los personajes y la historia. Pero dejando atrás la desconexión que veo entre los mundos y varios fundamentos del mundo del “más allá, o antes de”, la película en general me parece notable, y no le di más nota por eso. Tiene varias escenas de gran poder, eficacia y emotividad, que realmente te tocan y nos llevan a reflexionar sobre nuestra propia vida. Un bello ejercicio de perspectiva, de mirar nuestra vida desde otros ojos y de descubrir que quizás no todo era como pensábamos. A veces nos elevamos en burbujas, que nos llevan a desconectarnos o perdernos de nuestra propia realidad. Y otra cosa, el final me dejó un poco frío, pues no lloré, y mis lágrimas son el mejor medidor que tengo en estos casos para percibir la emoción general de una película redonda. Y bueno, menciones apartes a su bella animación y a la excelente banda sonora, creo que añoré que la historia se mantuviese en un solo plano. Pero vale mucho la pena verla y sentirla.

Joe: Me llamo Joe. Joe Gardner. Oiga, esto está mal. No debería estar aquí.

Alma anciana: Debe haber sido algo repentino. Verás, Joe, cumplí 106 años. Llevo mucho tiempo esperando por esto.

Joe: ¿Por qué?

Alma anciana: Por el Gran Después.

Joe: ¿El Gran Después? ¿Cómo en algo después de la vida?

Alma anciana: Sí.

Joe: ¿Entonces la muerte es allá?

Alma anciana: Emocionante, ¿no lo crees?

Joe: No, no, escuchen. Tengo una tocada. No quiero morir hoy.

Frases de la película: Mank (David Fincher) - 2020 / U.S.A / Netflix

Frases y Diálogos de la película "Mank". Director: David Fincher, Guion: Jack Fincher, Música: Trent Reznor, Atticus Ross, Fotografía: Erik Messerschmidt (B&W).

Reseña A.S.B: David Fincher no es guionista, sino un gran director. De esos que pueden sacarle todo el provecho a un buen guión y sacar una buena película de un guión mediocre. Su larga carrera como director de vídeos musicales de los artistas más importantes en la década de los 80 debió darle mucha experiencia en su desarrollo audiovisual. Este año, luego de seis sin haber estrenado un largometraje, en parte por su trabajo en la serie "Mindhunter", vuelve con uno de sus proyectos más personales. "Mank" fue un guión originalmente concebido por Jack Fincher, el padre de David, quien estaba obsesionado con la historia de Herman Mankiewicz, el reconocido guionista de la MGM y certificado co-guionista del "Ciudadano Kane" de Orson Welles.

La película tiene la estructura de un biopic tradicional, con muchos flashbacks, que intentan retratar las condiciones y el ambiente de la industria de Hollywood en la década de los 30, en plena Segunda Guerra Mundial y Post Gran Depresión, el trabajo de creación de los guionistas y la particular concepción del guión del "Ciudadano Kane". De hecho, los recurrentes flashbacks ayudan a observar el mundo y los personajes que inspiraron a Mank a escribir su gran guión, y el desencuentro con el joven cineasta, Orson Welles, por los créditos del guión, de la que ha sido nombrada muchas veces como la mejor película de la historia del cine. 

Pero aunque tiene la estructura de un biopic tradicional, la historia en sí tiene gran interés, especialmente si reconoces a los personajes que aparecen, los esbozos a los movimientos sociales y políticos que se caldeaban en la época. Y Fincher hace un muy buen trabajo en la dirección, con el formato que le da, la atmósfera y la fotografía, que le dan una apariencia muy clásica y elegante a la narración. Sin mencionar el buen trabajo de los actores, especialmente de Gary Oldman como Mank, quien interpreta muy bien a ese genio maldito consumido por sus propios vicios. Por lo que creo, que aunque a nivel narrativo es bastante formal, Fincher como siempre, logra darle un plus adicional a la historia. En general, la veo como una bella película sobre la creación, el trabajo creativo del guionista (homenaje de Fincher a su padre) y un veraz e inquietante retrato de la industria en épocas de guerra. Recomendada. 

Marion Davies: Tu guion le dio en el clavo a algo. A lo solitario que fue él de pequeño. Cuando mi madre escuchó que él era uno de los más ricos del país, dijo: "Apunta más alto". Siempre ha sido muy bueno conmigo. Amo a ese viejo, Mank.

Frases de la película: Tenet (Christopher Nolan) - 2020 / Reino Unido

Frases y Diálogos de la película "Tenet". Director: Christopher Nolan, Guion: Christopher Nolan, Música: Ludwig Göransson, Fotografía: Hoyte van Hoytema.

Reseña A.S.B: He visto la más reciente película de Nolan, quien en estos días ha sido tendencia por su desencuentro con la Warner, al decidir estrenar sus próximas grandes películas simultáneamente en salas y en su plataforma streaming. Pero bueno vayamos a la película, que por cierto se está proyectando en salas de cine de Cartagena en los cines de Procinal en La Plazuela. Y es una película que vale la pena ver en pantalla grande. 

Honestamente no estaba entre las películas que más deseaba ver porque Nolan, aunque sus películas tengan fama de ser súper complejas, realmente me parecen predecibles a nivel macro. Con "Tenet" tengo la impresión de estar viendo un peliculón, que de hecho lo es por muchos momentos, sobre todo en esas escenas de acción donde Nolan realiza un despliegue técnico increíble, que merecen ser vistos en pantalla grande y con un buen sonido. Pero una película no es solamente su despliegue técnico...

Se han hecho muchas películas sobre la Guerra Fría. Varias muy buenas. Acá Nolan con su ya particular y conocido estilo (o fórmulas, mejor dicho) crea su versión, centrándose en el misterioso mundo de los espías, pero llevado a otro nivel, casi en los terrenos de las teorías conspiratorias o de información confidencial de esos grupos secretos. Como siempre, dentro de su fórmula encontramos temas de viajes en el tiempo, física cuántica y diversas teorías científicas.

En la película tratan de salvar el mundo (y siendo realistas la guerra fría en realidad llevó a la humanidad a estar al vilo del desastre), el presente, que es el futuro, interviniendo el pasado. Y también, como siempre, ante la incapacidad argumental de tener una historia profunda o una conexión emocional auténtica termina aludiendo a las emociones más generales y rimbombantes como motor de las decisiones de los personajes. 

Creo que Nolan más que un autor es un técnico, en una forma moderna y menos brillante de lo fue Hitchcook en sus épocas, y quien sí dejó mayor huella como autor. Para Nolan todo es grande y trascendente, incluso las líneas de diálogos de sus protagonistas, que parece que las estuviese diciendo en algún momento Superman o Capitán América. Todo en él es exceso, y acá siguen las explicaciones de la trama a través de los personajes, de la ciencias y las teorías utilizadas en el argumento, que quizás sí dan una luz, pero es algo siempre molesto en sus filmes y que refuerza lo superficial de su narración. Porque son reiterativas y ocupan mucho tiempo.

No me disgusta la película, pero sí me deja esperando esa película en donde el director acompañe su gran producción como un mejor guión, porque incluso dentro del género de espionaje no es tan efectiva como muchas otras, ni menos como ciencia ficción. Pero es un espectáculo visual y técnico de gran nivel, y sólo por eso valdría la pena verla y envolverse en su trama. 

 

El Protagonista: ¿Quieres estrellar un avión?

Neil: Bueno, no desde el aire. No seas tan dramático. Quiero sacar un avión de la pista de taxis, atravesar la pared y provocar un incendio.

El Protagonista: Bueno, ¿qué tan grande sería el avión?

Neil: Bueno, esa parte si es un poco dramática.

Frases de la película: Leto (Kirill Serébrennikov) – 2018 / Rusia

Frases y Diálogos de la película "Leto". Director: Kirill Serebrennikov, Guion: Lily Idov, Mikhail Idov, Kirill Serebrennikov, Música: Roman Bilyk, Fotografía: Vladislav Opelyants.

Película más reciente del director ruso Kirill Serébrennikov, quien dirigió esa inquietante película "El discípulo". La vi hace meses y la tenía muy pendiente desde hace dos años. En esta ocasión cuenta una historia real. Nos traslada a la Leningrado de principios de los 80, a la escena del rock ruso (en esos momentos Unión Soviética), bajo la figura del famoso cantante y poeta Víktor Tsoi. Nos muestra los comienzos del joven cantante de la mano de Mike, otro cantante más veterano. Jóvenes inspirados por el rock y los ídolos musicales de los enemigos del país (U.S.A e Inglaterra) pero que buscan su propia identidad dentro de esa tensa época. Me ha gustado mucho. Es un bello y nostálgico musical de rock, electrizante, creativo, y a la vez una oda a la energía y al idealismo de la juventud. Está muy bien rodada, con un blanco y negro que le da su toque vintage, algunas animaciones en escenas musicales, bella fotografía, edición, actuaciones y una destacada banda sonora. Una grata sorpresa. Y qué bien suena el rock en ruso.

- Entonces, ¿cómo se llama tu banda?

- Nada.

- ¡Damas y caballeros, prepárense para nada!

- Nada estará tocando con apenas nada. Haciendo nadas. 

- ¡Chicos, basta! No tienen que ser malo.

- ¿Quizás, los parásitos?

- No somos parásitos

- Trabajo en el teatro.

- Es cierto, por cierto.

- Nuestro hombre Lyosha es en el Teatro. Un tramoyista.

- Viktor es un artista. Carpintería.

- Déjame traducir. Viktor está haciendo carpintería en Escuela vocacional. Un chico de cuello azul.

- Viktor, toca algo para nosotros tal vez algunos de tus primeros trabajos.

Frases de la película: Relic (Natalie Erika James) - 2020 / Australia

Frases y Diálogos de la película "Relic". Directora: Natalie Erika James, Guion: Natalie Erika James, Christian White, Música: Brian Reitzell, Fotografía: Charlie Sarroff.

MiniReseña: Hace meses vi esta película que tenía muy pendiente por ver. Porque no todos los días uno tiene las ganas de ver una película de terror. Aunque me he encontrado con una obra distinta, que no es para nada gratuita como las películas de terror tradicional. La incluiría dentro de ese nuevo cine de terror que han venido creando varios directores jóvenes, más profundas y que ahondan en el terror y los miedos que tenemos dentro de nosotros mismos y en nuestro núcleo cercano (y también especialmente dentro de un grupo de películas australianas del género que se han estrenado en los últimos años, óperas primas en su mayoría). La película es dirigida y escrita por la joven cineasta Natalie Erika James, quien narra la historia de tres mujeres: la abuela, la madre y la hija, tres generaciones que se reúnen en casa de la abuela porque un día ésta desaparece de forma repentina. La película constantemente esquiva los giros narrativos de las películas tradicionales del género, pero también juega con el espectador y sus prejuicios, poniendo la atmósfera, la música y la ambientación, previniendo algo que va a ocurrir. Pero siempre saca otra carta hasta llegar a un desenlace en donde se nos explica la naturaleza de la historia, uniendo los hilos de los flashbacks y los sueños. Al final, vemos una historia sobre la familia, la vejez, la enfermedad y su herencia generacional, el cuidado, el olvido y el amor. Palabras que nos resultan extrañas en una película de terror pero es el corazón de la historia y me parece fascinante este retrato tan particular. Recomendada y quizás decepcione a los amantes del género tradicional del susto fácil y música machacona. Y una directora para seguir.

Oficial: ¿Su mamá sigue conduciendo?

Kay: A veces. Pero su auto sigue en la casa.

Oficial: Y... ¿Algún problema médico?

Kay: No. Está en sus 80 años. Se olvida de las cosas. Se las arregló para inundar la casa, la Navidad pasada.

Oficial: ¿Y cuándo fue la última vez que habló con ella?

Kay: Ha pasado un tiempo.

Oficial: ¿Podría... Ser más específica? … Bueno, en situaciones como esta, nosotros... Tenemos que formar una línea de tiempo.

Frases de la película: The Trial of the Chicago 7 (El juicio de los 7 de Chicago) de Aaron Sorkin - 2020 / U.S.A / Netflix

Frases y Diálogos de la película "The Trial of the Chicago 7" (El juicio de los 7 de Chicago). Director: Aaron Sorkin, Guion: Aaron Sorkin, Música: Daniel Pemberton, Fotografía: Phedon Papamichael.

MiniReseña: Finalmente se estrenó en la plataforma Netflix el más reciente proyecto del reconocido guionista Aaron Sorkin, quien también dirige la película. La película me ha gustado, creo que tiene un excelente ritmo y montaje, dirección y guión, acompañado de un muy buen elenco donde destaco el excelente papel de Sacha Baron Cohen, que refleja a la vez en cierta forma el espíritu de la película. Basada en la historia real de uno de los juicios más populares de la historia de los Estados Unidos. Cuando en 1969, siete jóvenes fueron acusados de conspirar en contra la seguridad nacional por sus manifestaciones contra la Guerra de Vietnam en medio de la convención del Partido Demócrata en Chicago. El juicio toma una gran relevancia en medio de la guerra que se libra en otro país con los jóvenes estadounidenses, y se muestra la forma en que era sorteada su suerte para presentarse en el frente de batalla, como un concurso, un espectáculo. También se muestra los intereses políticos tras el caso, y las particulares características y diferencias entre los siete acusados, junto con sus abogados y la gente alrededor. 

Sorkin trató en todo lo posible de desmarcarse de los tópicos del género de los dramas judiciales que tan bien realizan los norteamericanos, y acá juega con el ritmo de la película y la edición para añadir el componente cómico de forma muy sutil, y no de forma abrupta o caricaturesca como quizás lo ha hecho e hizo hace poco Spike Lee en su más reciente película. El ritmo y el talento para la comedia de Baron Cohen le ayuda a que fluya de forma natural, pues prácticamente su personaje es el que tiene la mayoría de la carga cómica, sin dejar el carácter dramático de la historia. Creo que este experimento funciona muy bien, quizás la parte donde Cohen habla como si estuviese haciendo un discurso o un show de stand up comedy no me convence mucho (y me parece que sobra), junto con algunos baches en las interpretaciones de otros personajes, pero en general no afecta mucho a la historia. Sorkin vuelve a mostrar su talento en la escritura y en crear buenos diálogos y frases, y creo que logra sacar adelante el proyecto. Además que hay que decir que tiene una gran actualidad si se relaciona con las recientes protestas contra la policía en U.S.A, y las que se venían presentando en todo el mundo antes del Covid. Las escenas de las protestas son muy buenas y duras, sobre todo las de la represión policial. Por lo que el mensaje de trasfondo de denuncia está muy presente y no lo veo como panfleto, a diferencia de otro director que ya mencioné. Porque Sorkin también usa de forma sutil en las escenas de las protestas unas imágenes de archivo de forma fugaz que se mezclan con las de la película, para que el mensaje prevalezca y no se olvide que incluso esas imágenes la vemos hoy en día. La recomiendo.

Abbie Hoffman: Es un juicio por causas políticas que ya está resuelto. Ignorar esa realidad me resulta extraño.

William Kunstler: Hay juicios por causas civiles o penales. Los juicios por causas políticas no existen.

Abbie Hoffman: Bueno.

Frases de la película: Rosie (Paddy Breathnach) - 2018 / Irlanda

Frases y Diálogos de la película "Rosie". Director: Paddy Breathnach, Guion: Roddy Doyle, Música: Stephen Rennicks, Fotografía: Cathal Watters.

MiniReseña A.S.B: Tenía pendiente ver esta película hace un tiempo y finalmente la vi. Es curioso verla en el actual confinamiento porque toca un problema acentuado por la situación que vivimos. Una pareja joven en Dublín con cuatro hijos pierden su hogar cuando el casero de la casa donde viven decide vender su casa. Viven con ayudas del ayuntamiento y trabajos esporádicos que logra el esposo conseguir. Mientras John trabaja, Rosie se pasa con el auto lleno con todas sus cosas, trasladando a los niños a la escuela y buscando un lugar para vivir, hoteles por una noche hasta lograr conseguir algo por más tiempo. Vemos que hay mucha gente en esa situación, algunos amigos los reciben durante el día, el hermano de John cuida al perro y la casa de la madre se encuentra vetada por una reciente revelación de Rosie en contra de su padre fallecido. Pero la numerosa familia se mantiene junta dentro del dolor, la desesperanza y la angustia. Me ha gustado mucho su minimalismo, me recuerda al cine social de los Dardenne o de Ken Loach, y dentro de su sencillez te habla, te muestra y sugiere muchas cosas. Una reflexión sobre la familia, la sociedad, la crisis, los traumas, el orgullo y la dignidad. Excelente actuación de Sara Greene como Rosie, sostiene toda la película y vivimos su desesperación y admiramos su optimismo. Pero en realidad están perdidos en su realidad y su situación. Y me recuerda a que muchas personas han perdido sus hogares también, el techo alquilado, los hijos volviendo a casa, pero hay unos que no tienen a dónde volver. Muy buena, y así como de sencilla es demoledora.

Una grave escasez de inmuebles para alquilar y el aumento de su valor... hizo que varias familias que ya no pueden permitírselos se instalen en alojamientos particulares. De acuerdo con una institución de caridad, Irlanda tiene la mayor  tasa de familias sin hogar de Europa. Centenas de familias están abandonando sus propias casas y muchas luchan para encontrar un hotel que las acoja.

Frases de la película: Mulán (Niki Caro) – 2020 / U.S.A (Disney/LiveAction)

Frases y Diálogos de la película "Mulán". Directora: Niki Caro, Guion: Rick Jaffa, Amanda Silver, Lauren Hynek, Elizabeth Martin, Música: Harry Gregson-Williams, Fotografía: Mandy Walker.

Reseña: He sido muy crítico con los remakes en live action que ha hecho Disney en los últimos años sobre sus clásicos animados, siendo El Libro de la Selva mi favorito por el momento. “Mulán”, la película de animación de 1998 es uno de los grandes clásicos de Disney, de su renovación, y popularizó la historia de la famosa heroína. Además es una película que guardo en mi memoria con mucho afecto, sus personajes, sus canciones y varias escenas. “Mulán” es una leyenda china muy antigua que ha sufrido muchos cambios en las distintas versiones  que se le han hecho en distintas épocas, y se desconoce el autor o los datos específicos de la época en que sucedió. Uno de ellos es el poema chico: la “Balada de Fa Mu Lan”, un bello poema que recopila los apartes de la leyenda que se mantienen en todas las versiones. Pero entrando ya en la película del 2020 que se ha estrenado en plena pandemia y directo al streaming en la nueva plataforma de Disney, y sin mencionar la sinopsis, porque ya todos debemos saber las generalidades de la historia, debo decir que nuevamente tengo emociones encontradas. No es un remake fiel a la versión animada del 98, empezando porque no es un musical (aunque las famosas canciones suenen en versión instrumental de fondo), los personajes secundarios como el dragón Mushu o el grillo que actúa de consciencia tampoco aparecen (Mushu es reemplazado por un Ave Fénix guía que aparece en unos cuántos momentos), y algunos personajes tienen ligeros cambios, como el objeto amoroso de Mulán, acá cambia de rango, y la incorporación de un nuevo personaje: una mujer con las habilidades de Mulán que fue condenada al exilio. Sin olvidar la incorporación del concepto del “Qì” (Chi) a esta nueva versión, para dotar a la heroína de un aura especial y darle habilidades para tratar de emular las escenas de lucha en el aire como las del Tigre y el Dragón y otros clásicos del género Wuxia. Como ven tiene muchos cambios, modificaciones e incorporaciones que conforman una increíble mezcla cultural e histórica que no deja conectar fácilmente con la trama y sus personajes. Hay algo que siempre crítico en estos remakes y es la fluidez, el ritmo, que acá nuevamente tiene problemas, pues los vínculos entre los personajes no son muchas veces creíbles, las acciones y escenas lucen apresuradas, y eso que tiene una larga duración. El personaje de la mujer/bruja que se sacan y se lo dan a la gran Gong Li, y que se presenta como villana creo que distrae y le quita fuerza tanto al villano como a la protagonista. Y en fin, muchas más cosas con las que tengo problemas, que yo mientras la veo trato de apartar de la historia de animación, pero se hace difícil la tarea. A pesar de todo y lo que hace que sea más triste es que ficharon un muy buen elenco con varios de los actores asiáticos más importantes, Donnie Yen, Gong Li, Jet Li, Jason Scott Lee, y la protagonista, Liu Yifei, que creo que fue una buena elección. Lástima que no todos los elementos hayan cuajado para que se hubiese logrado un remake memorable, porque al final lo que te hace apreciar algunas cosas sigue siendo la nostalgia. Y creo que la heroína de esta versión fue despojada de la esencia terrenal (curiosamente) de la heroína animada. Al final Mulán ha sido históricamente un símbolo de distintas reivindicaciones y es importante conocerla, pero la versión animada es mucho mejor. Acá les dejo algunas frases y diálogos.

Existieron muchas historias sobre la gran guerrera Mulán. Pero, ancestros, esta es la mía. Aquí está. Un brote joven, todo verde... que no es consciente del peligro de la vida. Si tuvieran una hija así... con su chi, la energía infinita de la vida misma... hablando a través de cada movimiento suyo... ¿podrían decirle que sólo un hijo podría ostentar el chi? ¿Qué una hija se arriesgaría a la vergüenza, la deshonra, el exilio? Ancestros, yo no pude.

Frases de la película: The Devil All the Time (El diablo a todas horas) de Antonio Campos - 2020 / U.S.A / Netflix

Frases y Diálogos de la película "The Devill All The Time" (El diablo a todas horas). Director: Antonio Campos, Guion: Antonio Campos, Paulo Campos (Novela: Donald Roy Pollock), Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans, Fotografía: Lol Crawley

MiniReseña: Interesante estreno de Netflix y aunque no era de películas que más esperaba estaba atento por su director, Antonio Campos (Afterschool, Simon Killer, Christine), cineasta con un portafolio de películas perturbadoras y de tono muy indie. Últimamente estuvo involucrado en la serie The Sinner, y vuelve con esta producción. Campos dirige y escribe el guión que se basa en la novela del escritor Donald Roy Pollock, que cuenta una historia llena de obsesión, religión, traumas, corrupción, violencia, en un espiral o maldición que cubre a más de una generación y familias que se entrecruzan. Y todo transcurre en un pueblo en Ohio, que retrata bien la vida rural en los años 60 con la Guerra de Vietnam de telón de fondo.

No he leído el libro, no sé qué tan fiel es a la novela pero la atmósfera me recordó a la obra de una de las grandes escritoras del gótico sureño: Flannery O'Connor, por sus personajes perturbados que luchan con sus propios demonios en un ambiente igual de agreste. La película me ha gustado. Está llena de oscuridad, crueldad y ambigüedad desde el inicio, y en el transcurso estás siempre nervioso esperando que algo malo ocurra a continuación. Muy buena fotografía, ambientación, música, y parte del reparto, destacando a Tom Holland. Pero también a veces la encuentro predecible, quizás gratuita, y en varios momentos extraña porque se pierde el hilo narrativo o la fluidez en la narración, con algunos rellenos, extensiones en historias irrelevantes o menos atractivas. Entiendo la razón de la oscuridad de los personajes y el vínculo que se intenta hacer con la religión, la tradición, la violencia, pero esa relación no se trata con mucha profundidad, y sin conocer la obra original, da la impresión de que quisieron incluir mucha trama en poco tiempo (aunque es larga), y la figura tan dominante de la voz en off narrativa explicando las situaciones (con la misma voz el autor de la novela) también es síntoma de explicar un poco la trama y toda la información para que el espectador no se pierda. Entonces eso me parece que genera los problemas de ritmo y el enfoque en la narración pero también me quedo con los detalles positivos que mencioné al inicio. Es entretenida pero creo que tenía potencial para ser mucho mejor.

Leonora: Fue un milagro que no fueras al hospital.

Arvin: Hay muchos inútiles desgraciados.

Leonora: Dios, Arvin, dices eso casi desde el día que te conocí.

Arvin: Porque es cierto.

Frases de la película: I'm Thinking of Ending Things (Pienso en el final) de Charlie Kaufman - 2020 / U.S.A / Netflix

Frases y Diálogos de la película  "I'm Thinking of Ending Things" (Pienso en el final). Director: Charlie Kaufman, Guion: Charlie Kaufman (Novela: Ian Reid), Música: Jay Wadley, Fotografía: Lukasz Zal. 

MiniReseña: Vi la película en dos días. Me generaba mucho interés porque su director y guionista Charlie Kaufman me parece muy talentoso y me gustan varios de sus guiones y películas. En esta ocasión adapta una novela de novela de Ian Reid, que en su sinopsis cuenta la historia de una mujer que se encuentra pensando la forma de terminar la relación con su novio mientras realiza una visita a casa de los padres de él. Y la película inicia bajo esa premisa, con muy interesantes reflexiones sobre el quiebre de una relación, el fastidio del otro, el vacío, entre otros tantos dilemas. Pero al llegar a casa de los padres la película realiza un giro y nos traslada a un universo o atmósfera alterna, que quizás nos está revelando la verdadera realidad o irrealidad de lo que vemos. Alternancias en el tiempo, roles, espacio y la desfiguración de los personajes, que empiezan a convertirse en espejos del uno del otro, proyecciones de un tercero y en un juego psicológico y desquiciado. Creo entender parte de la esencia de la propuesta o la idea principal, que me parece muy interesante, pero en su desarrollo se vuelve un poco tediosa, difusa, redundante y excesivamente larga. Por eso la vi en dos partes, aunque el primer visionado fue antes de medianoche del día anterior. Creo que hay ideas y reflexiones muy interesantes en el guión, las actuaciones y la fotografía están bien, la ambientación y la música, pero en el cuadro general no tiene la fuerza ni la consistencia suficiente para mantener mi interés despierto. Y ni los elementos oníricos y surrealistas con influencias de otras películas pueden rescatar el conjunto. Creo que hubiese funcionado más corta o como una mini serie más desarrollada y detallada.

Jake: Por eso me gusta viajar en auto. Te hace recordar que hay un mundo enorme fuera de tu propia cabeza. ¿Sabes? Perspectiva.

Lucy: Perspectiva. (Lucy en voz en off) Esto es hermoso. De un modo sombrío y desolador. ¿Cuándo fue mi último viaje en auto? Debería recordarlo, pero no. Mi mente queda en blanco. Es raro. Cada vez tengo más recuerdos borrosos.

Frases de la película: Transit (Christian Petzold) - 2018 / Alemania

Frases y Diálogos de la película "Transit". Director: Christian Petzold, Guion: Christian Petzold (Novela: Anna Seghers), Música: Stefan Will, Fotografía: Hans Fromm.

MiniReseña: Tenía esta película pendiente hace un tiempo y finalmente pude verla. Petzold es un gran director, un gran guionista y un gran autor. Sus películas se mueven entre el drama, el melodrama, el drama psicológico y un sutil thriller, en donde siempre la identidad (su búsqueda o pérdida es parte fundamental de la trama). Y sus más recientes películas se mueven entre la guerra y la posguerra (de los 40 a los 70). En la pasada década nos regaló excelentes dramas como "Barbara" (2011) o "Phoenix" (2014). Con "Transit" vuelve al corazón de la Segunda Guerra Mundial, ubicándose en Marsella, donde refugiados de toda Europa embarcan rumbo a América para escapar de la guerra. Entre ellos está Georg, un joven alemán que ve la oportunidad de viajar suplantando la identidad de un escritor con refugio asegurado en México. En el proceso Georg se encuentra a un niño que le roba el corazón y a una mujer, que también espera a su marido, que le harán replantear todo el plan. La película es impecable, elegante, sutil y con un ritmo pausado pero bien estructurado y una hipnótica narración que te va desvelado la trama y envolviendo en sus entresijos, que poco a poco se hacen más complejos. Me encanta el ritmo de sus películas, y lo sigue manteniendo, con una gran capacidad de distribución y dosificación de las emociones y la información. Una excelente dirección, fotografía y música. Y unas actuaciones excelentes, destacando a Franz Rogowski (cara familiar del cine alemán de los últimos años) y la estupenda Paula Beer, que es la nueva musa de Petzold, tras sus colaboraciones con la otra gran Nina Hoss. Es una bella y pero sobre todo dura historia, que te arruga el corazón y que te mantiene hasta el final en una angustia, esperando el desenlace de sus protagonistas. Y los finales de Petzold también son tema aparte, por eso estaba muy nervioso esperando el final mientras avanzaba, y me ha gustado. Sorpresivo y con puntos suspensivos. Y con muchas ganas de ver su más reciente película "Undine" (2020) que logró estrenar en el Festival de Berlín de este año, donde consiguió los premios FIPRESCI y a mejor actriz para Paula Beer. Un autor para descubrir si no lo conocen. Está construyendo una impecable filmografía entre la guerra y la postguerra, con las historias alrededor, sobre los márgenes.

Marie: ¿Quién olvida antes? ¿El abandonado o el que abandona?

Frases de la película: Moffie (Oliver Hermanus) - 2019 / Sudáfrica

Frases y Diálogos de la película "Moffie". Director: Oliver Hermanus, Guion: Oliver Hermanus, Jack Sidey, Música: Braam du Toit, Fotografía: Jamie Ramsay. 

Película más reciente del director sudafricano Oliver Hermanus, quien adapta en esta ocasión la autobiografía de André-Carl Van der Merwe, "Moffie" (que en la lengua Afrikaans significa "maricón"), sobre la historia de un adolescente de 16 años de la Sudáfrica blanca que es obligado a prestar el servicio militar en la Sudáfrica de 1981 en pleno apartheid, para enfrentar en la frontera de Namibia al otro bando, en esa disputa que duró tantos años y dividió a África.

En la película se muestras escenas donde se manifiesta el odio que sentían los jóvenes blancos y los oficiales por la población negra. Pero además en el lugar donde los entrenan los tratan como bestias, alimentando el odio y la represión. Pero todos estos aspectos se encuentran de trasfondo y contexto, porque la trama se centra en el joven protagonista que además de la violencia del lugar, debe enfrentar su propio despertar sexual, al sentirse atraído por otros chicos, y tratar de ocultarlo desde pequeño, y más en ese lugar donde según las leyes vigentes era un comportamiento condenado y castigado. Se muestran algunos ejemplos de los castigos y los efectos de la represión, que lleva incluso a algunos al suicidio. Entonces el protagonista debe cargar y enfrentar una oleada de problemas para poder sobrevivir a los dos años de servicio. Lugar donde experimenta y encuentra por primera vez una aceptación de sus sentimientos, mostrado con sutileza y belleza, contrastado con el ambiente hostil y cruel del lugar.

Lo que más me impresionó desde el inicio de la película es lo impecablemente bien dirigida que se encuentra. Una sucesión y transición de planos muy bien editados pero también rodados que tienen un lenguaje propio que refuerza cada una de las emociones, y haciéndola por muchos momentos muy poética. Planos abiertos, primeros planos y una muy acertada y quizás pretenciosa banda sonora que le da un aire pomposo de entrada, que no está nada mal. Luego se vuelve más intimista, más dura también, siempre desde la perspectiva del joven protagonista, que vive todo un drama, y con quien compartimos su dolor y también su madurez. Una muy bella y dura película. Una joya. Y una gran actuación del joven protagonista Kai Luke Brummer.  La película se presentó en la sección Orizzonti del Festival de Venecia 2019.

Teniente: ¿Qué diablos sigues haciendo aquí? ¡Vete a la mierda! Olvídense de todo lo que creen saber. Ya no eres alguien. Son costras. Costras ensangrentadas, llenas de pus e inútiles. Y es nuestro trabajo convertirlos de costras en hombres.

Frases de la película: About Endlessness (Sobre lo infinito) / Om det oändliga de Roy Andersson - 2019 / Suecia

Frases y Diálogos de la película "About Endlessness" (Sobre lo infinito). Director: Roy Andersson, Guión: Roy Andersson, Fotografía: Gergely Pálos.

Varias veces menciono que una película tiene influencia del cine de Roy Andersson, porque en efecto, ha sido un estilo bastante copiado pero que a la vez es único del gran director sueco. Me pasó hace poco con la película más reciente de Rúnar Rúnarsson (Echo), pero ahora hablaré de la película más reciente del maestro sueco. "About Endlessness" es una de las películas que más esperaba ver desde el año pasado, se estrenó en el Festival de Venecia 2019, donde logró el León de Plata al mejor director.

La película es una nueva maravilla. Inspirada en el cuento de "Las mil y una noches" (como lo puede ser cualquier película de Andersson), presenta un mosaico de historias, personajes y escenas en un plano fijo dentro de la Suecia actual, quienes representan distintas etapas, momentos o emociones de la vida. Desde los más luminosos hasta los más tristes y dolorosos.

Narrada a través de pequeñas frases descriptivas, microrrelatos o breves haikus por una aparente Scherezada moderna, donde primero se nos muestra una escena y luego la voz femenina describe, siempre iniciando con un "Vi a una/un....", la situación de la escena desde una perspectiva especial. Esa dinámica me hizo entrar en un juego, donde yo intentaba apreciar la escena y tratar de adivinar lo que la voz describiría exactamente. Nunca coincidimos, aunque me acercaba bastante. La descripción de la narradora siempre era más sencilla y directa. Y creo que es un juego que se le propone al espectador, y que siempre exige el cine de Andersson: observar y apreciar su composición de la escena, que es tan importante. Porque nada es gratuito y todo está significando algo. Por eso él suele detener en el tiempo la escena por unos segundos, simulando una fotografía. Es un detalle siempre presente en su cine, esa especie de trance o de momentos capturados justo cuando los personajes se encuentran ensimismados en alguna reflexión conjunta, que suele darse normalmente cuando escuchan una melodía o ven algo, pero los trances de los personajes del director normalmente lo están porque sí.

Hay escenas duras, tiernas y tristes, reales y otra un poco mágicas y oníricas. Y los personajes y la descripción que se hace de ellos, siempre alude a que han perdido algo, o que no lo han encontrado, o no han sido perdonados, sobre la pérdida de la fe (que es uno de los personajes que se repite), sobre la soledad y el existencialismo en el hombre moderno, que es otro de sus grandes temas en su cine. Es un teatro, las comedias y las tragedias de la vida danzando y exhibiendo los matices en la humanidad del ser humano.

Hay también una especie de circularidad, porque la primera historia y la primera escena conectan con las últimas. Un personaje afectado porque un amigo del pasado no lo saluda por un pequeño problema del pasado que no ha superado. Y es creo que la única ocasión donde la descripción de la escena antecede a la acción. Otra escena de dos jóvenes hablan de las leyes de la física, de que la energía es infinita, nunca se destruye sino que se transforma. Así como las historias y esta exploración de lo infinito del autor. Porque las historias toman distinta forma de acuerdo a la perspectiva del narrador y del observador. O el que cuente y el que escucha. Es un constante flujo de la energía de la imaginación y la creación.

Andersson siempre incluye temas sociales que describen a la sociedad, que trasciende a la sociedad sueca y se hacen universales. Porque la sutileza y maestría de su cine es universal. Aunque nos presente a estos personajes pálidos, ausentes y anodinos, que se encuentran simplemente contemplando su existencia y el abismo de la vida. Una serie de fragmentos, un mosaico y collage lleno de vida, tragicomedia, humanidad y maestría.

- Tener pesadillas no es nada extraño. Todos las tenemos a veces. No hay que avergonzarse por eso. He tenido muchos pacientes que tuvieron todo tipo de pesadillas. Pero esta, no la he encontrado antes. 

- No es el sueño más agradable, debo decir.

- No... Y dígame, ¿es un sueño recurrente?

- Sí.

- Obviamente, algo le está abrumando. ¿Tiene alguna idea de lo que podría haber pasado para desencadenar ese sueño?

- Sí... Fue cuando empecé a perder la fe. A no creer más en Dios.

- Oh, Dios mío... Pero usted es un sacerdote, ¿no es así?

- Sí, es mi medio de vida. Es mi trabajo. Predicar la palabra de Dios.

- Sin creer en lo que predicas. Esa no es una situación agradable, tengo que decir.

- No.

- Pero... ¿podría ser que Dios no existiera realmente?

- No, eso sería terrible.

- ¿En qué más creerías?

- Ni idea.

- Tal vez ya deberíamos estar contentos con estar vivo. Así es como yo lo veo.

Frases de la película: Ya no estoy aquí (Fernando Frías de la Parra) - 2019 / México

Frases y Diálogos de la película "Ya no estoy aquí". Director: Fernando Frías de la Parra, Guion: Fernando Frías de la Parra, Fotografía: Damián García. 

Tenía pendiente este post, luego de haber visto la película hace ya un tiempo y escribir el siguiente texto: Película del director Fernando Frías subida a la plataforma Netflix, y que el año pasado ganó los premios a Mejor película y Premio del público en el Festival de Morelia. Me ha gustado mucho. Creo que es una película que a rasgos generales te habla de la apropiación cultural, de la diversidad cultural, y también toca el tema del drama de la inmigración y la violencia en México. El protagonista, Ulises, que como el literario viaja y deambula de un lugar a otro, vive en Monterrey (México), tiene 17 años y junto con sus amigos hacen parte de una pandilla que forma parte del movimiento Kolombia, que fue una subcultura urbana surgida en México en los años 2.000, en donde sus integrantes se caracterizaban por una vestimenta y un look entre lo tradicional indígena y el punk, y que se dedicaban a escuchar cumbias rebajadas, que es una derivación de la cumbia tradicional colombiana, y vallenatos clásicos colombianos también. La película preciso se contextualiza en lo que fue la época donde desapareció este subcultura, entre otras razones por la guerra contra el narcotráfico en México. Ulises sin querer se ve involucrado en un problema con un cártel local y para salvar su vida debe abandonar su hogar, su familia y sus amigos para emigrar a los Estados Unidos. En USA le cuesta adaptarse a pesar de distintos intentos por encajar y conocer gente afín, y se plantea constantemente en regresar, a pesar que por las redes y noticias se entera que sus amigos de pandilla ya han sido reclutados por cárteles locales de la droga.

La película está muy bien rodada, como un cuidado y detalle en la elección de planos y en su fotografía, que te muestran detalles de la cultura, de sus trajes, de sus bailes y fiestas, a la vez que trasmite el sentimiento de pérdida del joven en otro lugar. La dirección es muy buena y el guión muy bien estructurado, dando desde el inicio la guía que se intercalará entre dos tiempos y dos espacios, lo hace que el espectador esté más atento, aunque no se necesita mucho esfuerzo, porque tiene un buen ritmo. Y aunque hay un drama de fondo, también tiene humor, tiene música y baile. El choque de culturas y de idiomas, contrasta con ese bello movimiento que se mira desde la nostalgia por su inevitable pérdida, porque preciso el movimiento Kolombia era una mezcla armoniosa de culturas y de fronteras. Una muy buena película que nadie debe dejar de ver. Y mención especial para el excelente reparto, con jóvenes talentos encabezados por Juan Daniel García, que hace de nuestro Ulises contemporáneo.

Locutor: Sí, ¿quién habla?

Ulises: Eh... Quiero mandar un saludo para mi raza.

Locutor: Cómo no, con todo gusto, carnalito. ¿De dónde nos llamas?

Ulises: Hablo del otro lado.

Locutor: ¿De dónde, compa?

Ulises: De acá, de Nueva York.

Locutor: Ay, caray, ¡qué internacional! ¿Y a quién quieres mandar saludos desde tan lejos?

Ulises: Pues…

Locutor: Carnalito, me están avisando... que va a entrar un mensaje oficial. Pero, por favor, aguántanos, no nos cuelgues, para por lo menos, tomarte el saludo.

Frases de la película: "Liberté" (Albert Serra) - 2019 / Francia

Frases y Diálogos de la película "Liberté". Director: Albert Serra, Guion: Albert Serra, Fotografía: Artur Tort.

Advertencia: La siguiente publicación puede tener contenido no apto para todo público. 

La película más reciente del siempre provocativo director español Albert Serra, tras la notable "La muerte de Luis XIV", se titula "Liberté", nueva producción francesa. Serra sigue en el drama de época y explorando rincones no muy cómodos ni luminosos de la monarquía. De hecho, es una película que transcurre en la oscuridad. En el año 1774, unos años antes de la revolución francesa, un grupo de nobles son expulsados de la Corte puritana de Luis XVI, por sus excentricidades y bacanales hedonistas. Este grupo de renegados vaga entre Postdam y Berlín con el objetivo de encontrar al famoso Duque de Walchen, un seductor y libre pensador alemán, con quien se adentrarán en las penumbras de un bosque en el que se entregan al placer sin límites: orgias, sodomía, sadismo, y toda clase de expresiones del placer que recuerda mucho a las obras que unieron a Sade y Pasolini. Todo eso dentro de esa época llena de hipocresía y falsas virtudes. De forma simbólica se convierten en los antecesores de la revolución y como dice su mismo título en la libertad.

Es un drama erótico que no tiene un hilo narrativo específico sino que apela al naturalismo, y de forma pausada y estética va documentando cada uno de los impulsos oscuros y prohibidos de Madame de Dumeval, el Conde de Tesis, el Duque de Wand, y todos los visitantes nocturnos que se acercan con la única intención de explorar el placer sin restricciones ni prejuicios, entre los que también participan las novicias de un convento cercano.

Y aunque no te explique o las intenciones del director no sean tan claras en mostrar todo lo que muestra (hay escenas que pueden herir sensibilidades), creo que tras ese velo de ánimas nocturnas, también hay un retrato de la represión de una época, de la represión del ser humano y los alcances o profundidades de su imaginación y su deseo. Está muy bien filmada, con buen elenco y muy buena fotografía. Es cine radical, provocador, inquietante, contemplativo y evocador.

Duque de Wand: ¿Conocéis la historia de Damiens? El pobre hombre que intentó asesinar a Luis XV. Yo estaba allí cuando lo sacaron de su celda. Había sido torturado durante muchos días. Habían usado pinzas... y aceite hirviendo. Ya no se le reconocía cuando lo sacaron. Desde mi balcón pude ver... como ataron sus extremidades a cuatro caballos diferentes. El pobre hombre iba a ser descuartizado públicamente. El público parecía estar disfrutando del espectáculo. El hombre gimió tanto que tuve que encontrar la manera de escaparme de sus chillidos. Ya sabes cómo siempre me gustan este tipo de cosas... Los caballos tiraban en cuatro direcciones y gradualmente lo descuartizaban. Cada uno de sus miembros se desprendía del tronco. Pero sus tendones eran duros. Viendo que era un tipo tan robusto, un grupo de hombres con cuchillos tuvieron que cortar cada uno de sus tendones para facilitar el proceso. Entonces la mitad de su cuerpo... se desprendió. Y al final, quedó sólo su cabeza que todavía gemía. Del pecho hacia abajo, su cuerpo fue destrozado en muchos pedazos. Pero el hombre aún estaba vivo. Todavía consciente. Y sus gritos eran especialmente... aterradores. Yo mismo tuve que ponerme un pañuelo en los oídos para no oír los gritos del pobre desgraciado. Pero desde mi balcón, pude ver a tres personas que no se distrajeron del espectáculo, y parecían cultivar un gusto particularmente refinado por el horror de esta representación. Eran tres mujeres a las que quizá conozcáis: la Duquesa de Laurence, su hija y su hermana. Estas tres mujeres estaban fascinadas por el espectáculo. No apartaron su mirada de la función ni un momento a pesar de su cariz monstruoso, como he dicho.

Frases de la película: First Cow (Kelly Reichardt) - 2020 / U.S.A

Frases y Diálogos de la película "First Cow". Directora: Kelly Reichardt, Guion: Jonathan Raymond, Kelly Reichardt (Novela: Jonathan Raymond), Música: William Tyler, Fotografía: Christopher Blauvelt.

“First Cow” era una de las películas que más esperaba ver este año. Hizo parte de la competencia oficial del Festival de Berlín de este año, donde obtuvo buenas críticas. Kelly Reichardt es una de las grandes cineastas del cine americano de las últimas décadas, del cine independiente, de un cine rural, neo western y naturalista, que siempre han ocupado los contextos de sus películas. En "First Cow" nos traslada a Oregón de los años de 1820, en donde un cocinero es contratado por un grupo de cazadores de pieles, precisamente para que les cocine. La personalidad sensible del cocinero contrasta con la de los rudos cazadores, hasta que un día se encuentra con un inmigrante chino que se encuentra huyendo de unos rusos. En esos momentos muchos inmigrantes llegaron de muchos países tras el oro blando como le decían a las pieles. El cocinero ayuda al chino y el destino los junta nuevamente, permitiendo que trabajen juntos en una comunidad donde llega la primera vaca, propiedad del Jefe de Factores, un hombre con eterna nostalgia y anhelo de la vida en Europa. 

Pronto los amigos iniciarán un negocio, robando leche de la vaca para hacer unas deliciosas galletas que se venderán como pan caliente entre los hombres e inmigrantes que encuentran en ese cálido sabor una cercanía a su hogar, a sus madres. El negocio adquiere relevancia y despierta el interés del Jefe de Factores, que al probarlas siente el sabor de Inglaterra. Y de ahí se desprenden situaciones que poco a poco romperán el hechizo de la creciente prosperidad.

La película es estupenda. Es basada en la novela de Jonathan Raymond, quien escribe el guión junto a Reichardt, quien a la vez también edita su filme. Su dirección es delicada, detallista, y como siempre ocurre en su cine, da la impresión que no pasa mucho, pero en cada escena hay detalles en el silencio, en el ambiente, en los gestos, en el viento y todos los elementos de la naturaleza, que siempre son protagonistas en sus obras. Es una película que habla de muchas cosas, del progreso, del desarrollo, de las tradiciones (porque los indios también están presentes pero nos da detalles que no están como antes), de la armonía con la naturaleza y sobre todo de la amistad. Y dentro de ella las fragilidades que se enfrenta cuando hay factores de dinero o algún problema en el medio. Pero en general es una película muy bella, poética y que deja puntos suspensivos muy bien dejados en su final. Una maravilla. La mejor película que veo en este año, como lo esperaba. Y para reafirmar su mensaje de amistad, en el inicio de la película aparece esta frase:

"El pájaro un nido, la araña una telaraña, el hombre amistad"

(William Blake - Proverbios del infierno)

- Eso es lo que vi. Te digo que es el primero, la primera vaca en el Territorio. Lo enviaron hasta San Francisco. San Luis Obispo. Escuché a San Francisco. Hablé con el barquero, y él era el que traía la vaca.

- Tienes que preguntarle al Jefe de Factores sobre eso.

- El Jefe de Factores ordenó dos vacas y un ternero, y esa es una historia real, pero los otros murieron en el camino.

- ¿De qué sirve una vaca para alguien? La vaca necesita un semental.

- El Jefe Factor quiere leche en su té. como un verdadero caballero inglés.

- Como una verdadera dama. Este no es un lugar para vacas. Dios habría puesto vacas aquí si así fuera.

- Ah, tampoco es lugar para los hombres blancos, ¿eh?

Frases de la película: Family Romance, LLC (Werner Herzog)

Frases y Diálogos de la película "Family Romance, LLC. Director: Werner Herzog, Guion: Werner Herzog, Música: Ernst Reijseger. 

Curiosa película estrenada en la plataforma Mubi. Herzog siempre ha sido un gran cineasta pero en los últimos años ha sobresalido su trabajo como documentalista que el de las películas de ficción que ha grabado. Con “Family Romance, LLC”, me parece curioso que haya logrado una buena película de ficción tras varios años, precisamente con una película que tiene un formato que se asemeja al documental. Cuenta el mismo director, que se enteró de la idea para la película por un ex alumno suyo, quien le mandó la información de esta empresa real en el Japón, que se dedica a rentar personas para interpretar papeles en la vida de otras personas que lo requieran. Esa idea me recordó inmediatamente a las películas del director y guionista griego Yorgos Lanthimos, especialmente en su película “Alps” (2011), donde precisamente existe una empresa que se dedica a reemplazar los muertos de las familias con otras personas, actores contratados. “Family Romance, LLC”, que aunque se inspira en una empresa real y su director creo que es el mismo actor, Ishii Yuichi, se centra en la historia de un hombre que es contratado para que finja ser el padre desaparecido de una niña. Pero a partir de esa historia central, también observamos otros casos de la compañía, incluso del mismo actor que desempeña distintos papeles en distintas vidas. La película en general me ha gustado por ese juego de roles y la exploración de la mentira y la falsedad en nuestras vidas. El constante performance en que nos encontramos en el mundo actual. Las distintas máscaras que utilizamos para nuestras redes sociales, los amigos, y los distintos grupos a los que pertenecemos. Y lo fácil y natural que se nos hace mentir para enfrentar la realidad. La presencia ancestral de la ficción en nuestras vidas y la historia de la humanidad. En la película hay un momento en que la joven que perdió su padre se encuentra con el actor, que le da informes a la madre, y ella también le empieza a mentir. Pero a pesar del entramado de mentiras y simulaciones que observamos, se puede ver, no sólo en las palabras, sino en sus miradas y gestos, rastros de autenticidad, de verdad, de vulnerabilidad y humanidad, pues todos anhelamos el contacto humano, la atención y la compañía como buenos animales sociales. Al mismo tiempo es una reflexión sobre la soledad en el ser humano contemporáneo y la tendencia a eludir la realidad, como cuando se nos muestra a ese trabajador del tren que contrata a un actor para que reciba el insulto del jefe. Nos da risa, pero no está muy lejos de la realidad. Y creo que hay más temas de fondo para reflexionar y analizar. La recomiendo.


Ishii: ¿Mahiro? ¿Eres Mahiro, no? Soy tu padre. Eras tan joven, probablemente no recuerdas. Supe inmediatamente que eras tú. Mahiro. ¿Me conoces?

Frases de la película: Palm Springs (Max Barbakow) - 2020 / U.S.A

Frases y Diálogos de la película "Palm Springs". Director: Max Barbakow, Guion: Andy Siara (Historia: Andy Siara, Max Barbakow), Música: Matthew Compton, Fotografía: Quyen Tran.

He visto esta película que estuvo haciendo mucho ruido últimamente desde su estreno el 10 de Julio en la plataforma Hulu. Aunque la película tuvo su estreno mundial en el Festival de Sundance a principios de año, antes del confinamiento. La película cuenta la historia de un chico, Nyles, que se encuentra atrapado en un bucle de tiempo de un día, que resulta ser el día de un matrimonio de una amiga de su novia. Al parecer puede dejar a otras personas con él a través de una misteriosa cueva. Así es como Nyles sin querer, o eso parece, invita a Sarah a entrar a su bucle y ambos disfrutan pero a la vez buscan la forma de salir. En el proceso se enamoran y ya hemos escuchado antes el resto.

Me llamó la atención que mucha gente anda comparándola con la excelente "Eternal Sunshine of the Spotless Mind", de Michel Gondry con guión de Charlie Kaufman, y nada que ver. Para mí está más cerca de "50 First Dates" con Adam Sandler y Drew Barrymore (aunque esta no toque específicamente el tema del bucle, pero si en forma). Y aclaro que me agrada esa película, por lo que es, una comedia divertida. Entonces he disfrutado y reído con Palm Springs, me parece que es divertida y aunque trata el tema con mucha ligereza y deja algunos huecos en la trama, la he pasado bien al verla. Pero es una película para disfrutar sin buscar mucha profundidad, y también me ha gustado, y resaltó otro punto positivo, porque resulta curioso verla en estos momentos que estamos en confinamiento, donde cada día parece ser el mismo que el anterior. En un momento me llevó a reflexionar sobre la situación y reflexioné sobre esos temas eternos como el significado de la vida y del tiempo. Entonces verla en esta situación puede generar algunas interesantes reflexiones. Pero debo decir que no justifico que porque sea comedia y más siendo una producción de cine independiente no hubiese sido un poco más rigurosa en algunos aspectos. Al final la veo como en esos casos de un producto que pudo ser mucho mejor.

Nyles: No sé lo que es. Podría ser la vida, podría ser la muerte. Podría ser un sueño, podría estar imaginándote, tú podrías estar imaginándome, podría ser el purgatorio o una falla en la simulación en la que ambos estamos. No lo sé. Así que... hace tiempo más o menos decidí rendirme y dejar de intentar encontrarle el sentido a todo, porque la única manera de vivir realmente en esto es aceptando el hecho de que nada importa.
Sarah: Bueno, ¿y cuál es el punto de vivir?
Nyles: Bueno, no tenemos otra opción que vivir, así que creo que tu mejor apuesta es aprender a sufrir la existencia.

Frases de la película: Beanpole (Dylda) de Kantemir Balagov

Frases y Diálogos de la película "Beanpole" (Dylda). Director: Kantemir Balagov, Guion: Kantemir Balagov, Aleksandr Terekhov, Música: Evgueni Galperine, Fotografía: Kseniya Sereda.

"Una gran mujer", como se tituló en español. Es un drama impresionante visualmente, por su atmósfera, sus colores, la temperatura y la iluminación tan cuidados, que dibujan constantemente escenarios preciosos, fríos y cálidos, que se mueven a la par del desarrollo de los personajes. El verde y el vinotinto muy presentes. Además de eso y su estupenda fotografía, la película se ambienta en Leningrado (1945). Tras la Segunda Guerra Mundial la ciudad está en ruinas junto con el espíritu de sus ciudadanos. Entre ellas dos mujeres, Iya y Masha, que deberán cargar la fuerza para salir adelante con los hijos y reconstruir la ciudad. También es una película que habla sobre el amor no correspondido, la miseria y la desesperación cuando todo se ha perdido. Es demoledora y todos los elementos trasmiten muy bien el sentimiento de nostalgia y tristeza.


Masha: El jefe... El jefe dijo... que le trajera una bicicleta. ¿Pero para qué la necesitaría? Mejor le traigo juguetes. Estoy aquí... para ver a mi hijo, después de todo. Él... ¿es parecido a mí? ¿Se parece a la mamá? ¿O es flaco como el papá?
Iya: Como tú.
Masha: ¿Creció o está chiquito todavía?
Iya: Está normal.
Masha: Discúlpame, no siempre pude escribir. Pero mandé mercadería. Lo recibiste, ¿cierto? ¿No pasaste hambre? Dylda. Pachka no te dice "mamá", ¿no?
Iya: No.

Frases de la película: A vida invisível de Eurídice Gusmão (Karim Aïnouz) – 2019 / Brasil

Frases y Diálogos de la película "A vida invisível de Eurídice Gusmão" (La Vida Invisible de Eurídice Gusmão). Director: Karim Aïnouz, Guión: Murilo Hauser, Inés Bortagaray, Karim Aïnouz (Novela: Martha Batalha), Música: Guilherme Garbato, Gustavo Garbato, Fotografía: Hélène Louvart. 

Una de las películas que más esperaba del 2019 y que afortunadamente pude ver en la corta edición del FICCI60, y una película de las que no se pueden perder. Ambientada en el Río de Janeiro de 1950, nos muestra el interior de una conservadora familia portuguesa, centrada en la relación de dos hermanas: Eurídice y Guida, quienes se ven obligada a luchar juntas e individualmente en un entorno opresivo y machista, que las aleja de sus propios deseos y aspiraciones. La relación de ambas es un refugio contra ese ambiente, hasta que la vida de ambas toma rutas aparentemente distintas y alejadas, lo que las lleva a seguir sus vidas de formas independientes pero unidas por el recuerdo y el amor: una vida invisible. Bello título que recoge mucho de la esencia del filme, que es muy original y huye constantemente de los tópicos en los que uno creería que pudo haber caído. Es una película bella, dura, dolorosa y luminosa al tiempo. Una joya. Ganó el premio a Mejor película en la sección Una cierta mirada de Cannes 2019.


Guida: "Querido padre: te escribo desde a bordo del  Liberty, rumbo a Grecia. Te alegrará saber que la primera parada será tu patria. Muy contenta con Iorgos. Estoy segura de que te agradará, cuando lo conozcas. Él es un buen hombre. Nos casaremos en Atenas y luego volveremos a Brasil. No te enojes conmigo. Los llevo a los tres en mi corazón. Un abrazo de la hija y hermana que los ama infinitamente a todos, tan infinito como el océano que me rodea,
Guida".

Frases de la película: Da 5 Bloods (Spike Lee) - 2020 / U.S.A

Frases y Diálogos de la película: "Da 5 Bloods" (5 sangres). Director: Spike Lee, Guion: Spike Lee, Kevin Willmott (Historia: Danny Bilson, Paul De Meo, Matthew Billingsly), Música: Terence Blanchard, Fotografía: Newton Thomas Sigel.

Bueno finalmente vi la película más reciente de ese particular director de cine norteamericano. Lo respeto y me gustan varias de sus películas, en especial sus primeras, pero he tenido algunos problemas con sus últimas. Con "Da 5 Bloods" ya había anunciado que le tenía un poco de miedo a verla, pero ese miedo fue desapareciendo un poco al empezar a verla. Cuenta la historia de 4 excombatientes afroamericanos que regresar a Vietnam muchos años después en busca de los restos de uno de sus compañeros y de un tesoro escondido.

Desde el inicio la película tiene buen ritmo a pesar de su duración, pero en esta oportunidad la he disfrutado mucho en toda su primera parte y más de la mitad. Me gusta el planteamiento del guión y la caracterización de los personajes (el personaje de Delroy Lindo, un afroamericano pro Trump, simplemente colosal), el humor negro que siempre está en sus películas, acá está muy bien logrado y me reído en muchas partes. También no deja de tocar fibras muy sensibles y temas complejos dentro de todo este entramado y esta búsqueda grupal de un pasado lleno de dolor, sangre y traumas. Se encuentran con la hostilidad de algunas personas locales, y los prejuicios de siempre de parte y parte. También en esta ocasión no me molestan sus documentos de archivos entre el inicio y mitad de la película, además de los datos históricos donde expone el racismo en las mismas guerras. Sin dejar de mencionar la excelente fotografía, y la música de Terence Blanchard, que también añade la música del gran Marvin Gaye. Una muy buena dirección y reparto. En ocasiones también recuerda al cine o a una película especial de Tarantino, aunque ambos directores tienen sus puntos de convergencia en su estilo.


PERO vuelvo a tener un problema con su tramo final (tranquilos que no haré spoiler). Por donde empezar. El giro que toma al final me parece muy facilista, gratuito y predecible, y llegados a este punto ya la emoción que tuve a lo largo del filme fue bajando abruptamente. Y remata con nuevas imágenes de archivo o escenas contemporáneas y otras cosas que aunque me parecen interesantes e importantes me parecen que simplemente sobran en la película. No es necesario. Pero el director siempre quiere reafirmar con resaltador su mensaje. Quiere darle todo en la boca al espectador, retregarle o no dejarle nada a pesar ni a hilar, cayendo nuevamente en eso que siempre me molesta en varias de sus películas. Puedo entender por qué lo hace, él es un activista y siempre lo ha sido, pero creo que debe confiar más en su arte como medio de expresión y en el espectador capaz de asimilarlas. Eso es todo. Pero debo decir que en su mayor parte me gustó. Recomendada.

Norman: La guerra es dinero. El dinero es guerra. Cada vez que salgo de mi casa, veo que la policía patrulla el barrio en plan redada. Siento lo poco que valgo.

Frases del documental: Andrey Tarkovsky. A Cinema Prayer (Andrey A. Tarkovskiy)

Foto: Andrei Tarkovski con su hijo Andrey (el director del documental)


Frases y Diálogos del Documental "Andrey Tarkovsky. A Cinema Prayer". Director: Andrey A. Tarkovskiy, Guion: Andrey A. Tarkovskiy, Fotografía: Aleksey Naydenov. 

Bello documental realizado por el hijo del director, que se llama igual. Y es todo un deleite para los amantes del cine de ese gran director de cine ruso, el gran poeta del cine y uno de los cineastas o artistas que personalmente más idolatro. Un repaso a través de su voz por un material de archivo que vale oro, con grabaciones de su intimidad, detrás de escena de sus películas, repasando cada una de sus películas, su filosofía de vida y de trabajo, su mística y metafísica. Su hijo solo se encargó de organizar el material y darnos este estupendo regalo. Una maravilla. Comparto algunos fragmentos pero absolutamente todo vale la pena:


Andrey Tarkovsky: Un artista se alimenta de su infancia toda su vida. Su expresión artística dependerá de cómo fue su infancia. Por supuesto, fue una gran influencia para mí que mi padre fuera un poeta. Y... sus poemas me influyeron mucho... Sus opiniones sobre la literatura rusa... Sobre el arte... Es un... una dependencia inconsciente. Y un vínculo. No puedo ni pesar ni evaluar sus cualidades. Puedo sentir más intensamente mi vínculo con mi madre que con mi padre. Lo que sea que tenía que decir sobre eso, lo dije en la película "El espejo". Quienquiera que haya visto esa película, habrá entendido lo que tenía en mente.

Frases de la película: Never Rarely Sometimes Always (Eliza Hittman) - 2020 / USA

Frases y Diálogos de la película "Never Rarely Sometimes Always". Director: Eliza Hittman, Guion: Eliza Hittman, Música: Julia Holter, Fotografía: Hélène Louvart. Esperada película de la directora, guionista y productora estadounidense Eliza Hittman. 

Hace rato la tenía pendiente para ver pero hasta ahora le saqué tiempo porque sabía que era una película que requería un estado de ánimo especial. Hittman sorprendió hace unos años con esa buena película "Beach Rats", donde siguió explorando dramas de la juventud y de los adolescentes. La película se estrenó en los dos únicos festivales de cine que pudieron estrenarse este año Sundance (Premio Especial del Jurado) y Berlín (Gran Premio del Jurado), con premios en ambos. La película me ha gustado mucho. Como me lo imaginaba es un golpe en la cara. Cuenta la historia de una adolescente que vive en la zona rural de Pennsylvania, que se entera que está embarazada y al no poder realizar el aborto en su estado decide en compañía de su prima hacer el viaje a Nueva York para hacerlo. E inicia una travesía y una odisea llega de angustia, drama y dolor. Me recordó mucho a esa obra maestra del gran director rumano Cristian Mungiu (4 meses, 3 semanas, 2 días), que seguro inspiró a la directora, porque esa contaba otra odisea de dos amigas en el proceso de un aborto con varias semanas encima en Rumania.
La película es muy naturalista como lo fue su anterior película, casi documental, sin música pero con una precisión y delicadeza en los planos y su lenguaje visual, que te ves metido en ese espiral de tensión y emociones sin ninguna tregua. Me gusta también lo que no se dice pero se sugiere, ese lenguaje simbólico y la atención a los pequeños detalles y gestos que te dan información sobre el embarazo y sobre la vida de estas dos adolescentes que se enfrentan al ritmo de la ciudad en una búsqueda de la muerte y la vida al mismo tiempo. También muestra una bella relación de amistad y apoyo entre mujeres. Tengo que mencionar que el guión y la dirección de Hittman es excelente, apoyado por dos actuaciones estupendas de sus dos jóvenes actrices Sidney Flanigan y Talia Ryder. Es una joya sensible, delicada y a la vez dura y devastadora. De lo mejor que he visto en este accidentado 2020 en cuanto a estrenos de cine. Y el título es perfecto, porque cuando descubres su significado una luz aparece y alumbra un poco más la historia y su oscuridad.


Skylar: ¿Qué te pasa?
Autumn: Problemas de chicas.
Skylar: ¿Calambres horribles?
Autumn: Sí.
Skylar: Yo también los tengo. Más o menos me termino una botella de analgésicos, como, cada mes.
Autumn: Sí, lo mismo yo.
Skylar: ¿Nunca has deseado ser un tío?
Autumn: Todo el tiempo.

Frases de la película: Knives Out (Entre navajas y secretos) de Rian Johnson

Frases y Diálogos de la película "Knives Out" (Entre navajas y secretos). Director: Rian Johnson, Guion: Rian Johnson, Música: Nathan Johnson, Fotografía: Steve Yedlin. 

Estreno rescatado del 2019 con post pendiente. El año pasado coleccionó nominaciones y menciones en la temporada de premios. Del siempre interesante director de Looper y algunas recientes de Star Wars. La película es un enorme homenaje a las historias de la gran Agatha Christie, una historia de intrigas y de un crimen por resolver. El de un famoso escritor de novelas de misterio que es encontrado muerto en su mansión.
Los sospechosos: toda una familia. Tiene un reparto de lujo y la historia está bien contada, tiene un buen guión con diálogos muy divertidos e ingeniosos, adaptado a problemas sociales actuales. Pero aunque me gusta y me entretiene, por momentos no deja de parecerme muy truculenta, como en efecto son y siempre han sido las películas de este género, pero sí creo que pierde un poco de fuerza en su resolución. Pero al final desvela también su intención más de comedia o quizás parodia involuntaria. Así que tengo emociones encontradas. Pero en general la disfruté. Y aunque tiene unos buenos actores en su reparto, no me parece que todos estén excelentes, hay películas con mejores repartos donde éstos brillan más que aquí. Lo digo porque la han estado mencionando en premios a mejor reparto por encima de otras mejores en ese apartado.

Benoit Blanc: Sí, lo hiciste. Sí, él lo hizo. Sí, es cierto, pero. Pero... Hablé en el auto sobre el agujero en el centro de esta dona. Y lo que tú y Harlan hicieron esa fatídica noche, parece a primera vista llenar ese agujero perfectamente. Un agujero de dona en el agujero de una dona. Pero debemos mirar un poco más de cerca. Y cuando lo hacemos, vemos que el agujero de la dona, tiene otro agujero en su centro. No es un agujero de dona, sino una dona más pequeña con su propio agujero, ¡y nuestra dona no está agujereada en lo absoluto!

Frases de la película: A Rainy Day in New York (Woody Allen)

Frases y Diálogos de la película "A Rainy Day in New York" (Día de lluvia en Nueva York). Director: Woody Allen, Guion: Woody Allen, Fotografía: Vittorio Storaro.

Vi esta película el año pasado cuando se estrenó en salas de cine de Colombia, y en esta época de cuarentena fue la película con la que abrieron en varios cines en Asia. Lo que me hizo recordar hacerle su respectivo post. Esta era la muy esperada película de Woody Allen que demoró más de un año en estrenarse luego de estar lista. Como es habitual en el director, de entregar una película cada año desde los 70, pero por distintas razones el año 2018 quedó desamparada su distribución. Pero afortunadamente en el 2019 se estrenó mundialmente, y ya Allen trabaja en su próxima película. Apenas empezar "Día de lluvia en Nueva York", empiezas a sonreír, al menos yo, porque reconoces lo que ves. El encuadre de Nueva York, del que Allen ha sido un cronista visual, la siempre luminosa fotografía del gran Vittorio Storaro y la música. Inmediatamente esos elementos te transportan al universo woodyliano. La sinopsis tampoco se separa mucho de sus temas y personajes recurrentes: una pareja de universitarios enamorados van a pasar el fin de semana en Nueva York. Ella va a entrevistar a un director de cine que pasa por una crisis creativa y él se reencuentra con una hermana de una ex que estuvo enamorada en el pasado de él. Y cada uno pasa un fin de semana distinto. Me pareció una de sus películas, que son simpáticas, divertidas y luminosas. Con un elenco joven: Timothée Chalamet, Elle Fanning (que recuerda a una de sus musas de antaño) y Selena Gomez, que hacen buenos trabajos y tienen buena química. Me pareció curioso que Allen dentro de la historia incluya de forma sutil el tema de la joven periodista que es seducida por un director, un guionista y un actor, aunque ella está muy en control de la situación. No sé si esto tuvo que ver con el retraso de su estreno. Pero lo maneja muy bien. La película se pasa en un suspiro, te saca algunas risas, te conmueve porque es una comedia romántica, pero también tiene unas cuantas reflexiones profundas y existenciales sobre los prejuicios contra la ambición, el progreso, y el sentido de la vida. Recomendada.


Ashleigh: No puedo ir al almuerzo.
Gatsby: ¿Qué? ¿Por qué no?
Ashleigh: Tengo que ver su película.
Gatsby: ¿Tienes?
Ashleigh: Es una oportunidad increíble. Y luego vamos a discutirla después y toda la cosa.
Gatsby: ¿Cómo se desarrolló esto? Pensé que sólo tendrías una hora con él.
Ashleigh: Yo también, pero luego empezó a abrirse a mí.
Gatsby: ¿Lo hizo?
Ashleigh: Está atravesando una verdadera crisis artística. Hay una historia real aquí.
Gatsby: Tenemos una reservación para almorzar.
Ashleigh: ¿No querrás que le diga que no a la proyección?

Frases de la película: Ema (Pablo Larraín) - 2019 / Chile

Frases y Diálogos de la película "Ema". Director: Pablo Larraín, Guion: Guillermo Calderón, Alejandro Moreno, Pablo Larraín, Música: Nicolas Jaar, Fotografía: Sergio Armstrong.

Una de las películas que más esperaba ver del 2019, porque el director chileno Pablo Larraín en los últimos años ha cosechado un manojo de películas notables todas (No, El Club, Neruda, Jackie), y ahora llega con "Ema", y deja completamente atónito a los espectadores. Al menos a mí, porque ha hecho algo completamente diferente a lo que había hecho hasta el momento. Quizás no distinto en cuanto a sus personajes, que siguen llenos de crudeza y humanidad, pero en cuanto al formato y al estilo, por momentos sentí ver algo de cineastas como Gaspar Noé, que hace 2 años nos regaló otro despliegue musical, de baile y energía con "Clímax". Larraín utiliza preciso el baile como hilo conductor y la música, pues la protagonista es una bailarina. Pero hay otro tema de fondo, y es la dolorosa perdida de un hijo adoptado por la incapacidad de cuidarlo. Y la incapacidad de concebir uno con su actual pareja, por lo que Ema adolorida se sumerge en el hedonismo y el placer, hasta que encuentro una forma de ponerle arreglo a todos sus dramas. Y recuperar de forma aumentada su familia.
Me gustó esta propuesta, porque fluye entre todos los elementos, que afloran y se van presentando sin dar muchas explicaciones sobre lo que está ocurriendo. El espectador debe seguir el hilo de los acontecimientos hasta que por sí mismo vaya desenrredando la trama. También creo que la película tiene distintas interpretaciones y juicios de acuerdo al punto de vista del cual se lea. ¿Un tratado hacia un nuevo tipo de familia? ¿La obra de una persona despiadada? Las dos cosas, quizás. Aunque yo me voy un poco por la primera parte, porque si hay algo que Ema se da cuenta es que vivimos en un mundo en crisis, donde todas las relaciones están en crisis de la forma en que funcionan. Y quizás, aunque no sea de la forma moralmente aceptable se pueda cambiar un poco las cosas para lograr un poco de armonía entre distintas partes. Entre 4 y entre más involucrados. ¿La familia es el origen del caos de la sociedad? Quizás también nos hable de eso. También del valor del cuerpo y del deseo. De la fuerza sexual y liberadora del reggaetón, de las nuevas generaciones y sus formas de amar y expresar, entre otros temas. Pero esta nueva película me hace seguir admirando y valorando a este cineasta chileno, quien también hizo parte de la escritura del guión, que está creando un cine evocador y a la vez de ruptura con algunos temas de siempre. Una pena haberla vista tarde, quizás pudo entrar al top del 2019.

Ema: Tenías una enfermedad y no te habías cuidado y por eso habías quedado infértil. Así que es tú culpa. En tú culpa que hayamos tenido que hacer toda esta mierda de adoptar a alguien. Es tú culpa que no hayamos podido soportarlo. Es tú culpa que a mí me duela todo el cuerpo. Y es tú culpa que la gente nos mire en la calle como si hubiésemos asfixiado a un perro con una bolsa de plástico. 

Frases de la película: Young Ahmed (El joven Ahmed) de Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Frases y Diálogos de la película "Young Ahmed" (El joven Ahmed). Director: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Guion: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Fotografía: Benoît Dervaux. 
"Le Jeune Ahmed" es la película más reciente de los grandes maestros belgas, los hermanos Dardenne, quienes ganaron el premio a Mejor Director en Cannes 2019. La película sigue fiel a su estilo hiperrealista, a ese neorrealismo belga y cine social que tan bien han ejecutado en su cine para retratar historias reales, minimalistas, pero profundas y poderosas. Acá tratan un tema muy complejo con esa misma fórmula: un joven en la Bélgica actual, que es mitad belga y mitad musulmán, en plena pre adolescencia y de la mano de su Imán, decide abandonar los juegos para meterse de lleno en su religión musulmana y el estudio estricto del Corán. Pero tras ese estudio se nota la influencia negativa del Imán en adoctrinarlo bajo la vertiente más radical del islam. El chico busca esa cercanía por la influencia de su padre ausente, que está o estuvo en la guerra. Pero todo se descontrola cuando el joven Ahmed intenta seguir las enseñanzas de su Imán e impartir justicia sobre su maestra de la escuela, a quien no considera con la pureza necesaria para enseñar su libro sagrado. Es una película que como siempre, sin muchos elementos técnicos logra crear gran tensión en el espectador. También es una reflexión sencilla pero profunda y poderosa sobre los orígenes del radicalismo islámico en los jóvenes desde niños. Y también me gusta que en un momento se ven reflejadas las dos partes: el hombre que intenta crear un monstruo bajo su fanatismo, y también el prejuicio del europeo sobre los inmigrantes y los distintos. Aunque hay una realidad particular que trata la película, y como siempre también, la solución o explicación no es sencilla ni fácil de digerir. También encontramos un momento en donde el niño fantático y confundido se enfrenta a sus propios sentimientos y descubrimientos de la adolescencia. Otra excelente película de los hermanos Dardenne.


Louise: ¿Puedo tener tus lentes para verte borroso? ¿Puedo? Mírame. Ahmed, quiero besarte.